例举弗兰克赖特的三个作品，并阐述其有机建筑理念以及形成与发展。

弗兰克赖特，现代主义设计大师、美国最伟大的建筑师之一，师从芝加哥学派代表人物路易斯沙利文，后自立门户成为著名建筑学派——“田园学派”代表人物，与格罗皮乌斯、柯布西耶及密斯并称为现代主义四大建筑师。同时，伴随着时间的发展，赖特的作品也发生着漫长演变，从自然主义到草原风格再到有机主义最后到他所推崇的美国典范，赖特在每个时期都为诠释他“丰盛即美”的观点而交出别具个性的答卷，下文将从弗兰克赖特作品中节选三个代表性作品展开详细论述，同时探讨其有机理念的形成与发展。

一、草原住宅的简单法则与丰富世界——《罗比住宅》

罗比住宅是赖特典型的草原风格代表作品，它整体造型开阔敞亮、屋檐伸张，赖特在设计中重点突出了家庭生活的平面布局，同时对于材料的选择已经在这一早期阶段体现出了他对于自然材料的偏好；在空间规划上，罗比住宅打破了传统别墅的纵向布局规划，隔除了大而阴暗潮湿的地下室与阁楼，强调建筑的横向伸展；最后是对于非对称方式的强调，整体形成了独有的住宅建筑特点、反映出中西部草原景观与丰富视野。

再更近一步发现，赖特对于的罗比住宅的设计形成了室内外和谐统一的氛围、借鉴了他喜爱的日本风格，实现建筑与各自气候、地形与植被的一体。

二、混凝土块堆积的形式美与功能担当——《斯托尔住宅》

斯托尔住宅是赖特为约翰·斯托尔建造的个人住宅，通过对古代玛雅浮雕的参考借鉴而运用在整个室内装饰之中，斯托尔住宅无论是墙面与内部隔断等立面都充分体现了几何形与纵横线条的装饰与排布，尤其值得一提的是混凝土块既是房屋主体的承重结构、同时又是赏心悦目的线条装饰，形式与功能之间几乎不存在任何边界，因此很难分清哪些是建筑构件是“功能”、哪些是“形式”。

斯托尔住宅从室内装饰设计到室外建筑造型无不实现了整体与细节的统一，这种代表粗野气质的混凝土材料在赖特的设计中实现了角色的转变，它既可以是形式美的展现、又可以是功能责任的担当，是赖特在设计中期阶段的代表作品之一。

三、流动的有机整体实现——《古根海姆博物馆》

1959年的纽约古根海姆博物馆，是继《流水别墅》以后又一次赖特有机建筑理论的完全阐述，对于赖特而言，这个位于城市街边的地块迫使他在垂直向上的思考、因而诞生出了一个类似美索不达米亚神塔的负形，整个建筑空间除了类似于草原风格那样的水平流动以外，还增加了垂直空间的流动。博物馆整体的动线规划完全颠覆了以往传统的参观行进路线，在进入门厅以后，参观者首先需要通过电梯到达最高处，而后沿着平缓的、宽敞舒适的螺旋形坡道轻松自然向下，完成整个参观过程，也回到建筑的主要出入口；这种单一的行进路线避免了常见博物馆观展过程中可能出现的重复路程，也让参与者可以把注意力转心在展品上。

其次，古根海姆博物馆关于圆的母题而展开设计、无论是平面墙体、铺地图案还是屋顶采光天窗以及立面窗格划分，“圆”的应用无疑让建筑统一为有机整体，正如他在有机建筑六原则中提到的“建筑的精神统一与完整性表达”的观点，从草原风格到有机风格，是赖特返璞归真诗意的歌颂，即人类的想象力可以使粗糙的结构语言变为相应高尚的形式，而不必去设计毫无生机的立面与炫耀结构的骨架。

综上所述，当今环境危机日益加重，而建筑在建造和运行的过程中消耗了大量自然资源，并对环境造成不可避免的影响，重新思考赖特的建筑作品与有机建筑理论、反思不利于自然环境可持续发展的建筑设计，强调环境与建筑的共生关系、进而建立可持续发展的生态建筑设计观，从而为世界更好的发展出谋划策。

从人类诞生以来，各种造物活动就与日常生活息息相关，正如鲍德里亚所提到的：“我们的世界实际上是由和我们生活存在密切相关的，我们制造出来的物的体系所构成的。”我们身处在一个物性的世界，设计作为为了给这个物性世界创造有意义的秩序而进行的有意识努力的活动，自人类有意识制造和使用原始工具时便开始萌发了。

工业革命的到来使世界进入机器文明的崭新时代，在经历了一次次设计缺陷所带来的惨痛教训之后，人们逐渐意识到单纯的造物活动并不是设计的终极目标，运用最前沿的技术也不一定是最优秀的设计。人们开始关注人的生理与心理需求，从思维、操作等行为方式和心理规律方面探索，对设计提出新的要求并进行改良，由此情感化设计理论变应运而生了。

一、情感化设计的定义

情感化设计是由美国认知科学、人因工程领域等著名学者暨设计师唐纳德·诺曼在《设计心理学》中提出的一种旨在抓住用户注意力、诱发情绪反应，以期提高执行特定行为可能性的设计。正如人类的生理、安全、爱与归属、自尊和自我实现的五层次需求，产品特质也可以被划分为功能性、可依赖性、可用性和愉悦性这四个从低到高的层面，而情感化设计则处于其中最上层的“愉悦性”层面。在情感化设计中，诺曼提出了三层理论：

1.本能层次的设计

本能层源于人类的天生本性，关注点更多涉及到外形、色彩、声音等多个感官层面，是先天存在的最基本的大脑回路，也是最单纯的反应机制，对于外形的观察和理解是出于本能的反应回馈。因此，如果视觉设计越符合本能水平思维，则越容易让人接受并喜欢。

2.行为层次的设计

行为水平的设计关注的是功能和实现，包含功能性、易理解性、易用性、感受这四个因素，特别是对于功能性产品来说，讲究效用、重要的是性能。好的行为设计应当是以人为本，专注于了解和满足真正使用产品的人。

3.反思层次的设计

反思层次受环境、地域、文化等因素影响，具有复杂性，它与感觉输入和行为控制没有直接通路，只是监视、反省并设法使行为水平具有某种偏向，因此它依靠产品的个性化属性所带给人们的特定情感感受及思考。

二、情感化设计的内涵——充满人性的设计

设计除了产品的易用、视觉的美观，还需要体现的便是观念的、精神性的、情感的因素了。以产品设计为例，在人机关系之前，在满足设计适应的原则基础上，人面对机器总会带有某种情绪，也就是我们要探讨的主体精神与主体情感对设计的影响。

“情感是全身心投入的流露。”托尔斯泰说：“我们的创作没有激情是不成的。一切作品要写得好，它就应当是作者心灵里唱出的歌。”情感上的共鸣使感受者和创作者融洽地结合在一起，以至感受者觉得艺术作品所表达的一切正是他很早就已经想表达的，是感受者心声的外显，这种情感是人类直接体现其内心现实的一种心理属性，是情感化设计不可或缺的研究内容。情感化设计也正是在满足易用、适用的前提下，针对现代主义过于强调产品的机能导向、忽视个人情绪与感受的教训而提出的。设计师将人类特有的情感转化为有形的设计，是一种着眼于人的内心情感需求与精神需要的设计理念，使人从中获得内心愉悦的审美体验，让设计赋予生活乐趣与感动。正如前面所提到的，情感化设计一定是人机关系发展到一定阶段对设计更深层次的要求，相较于易用性的设计原则更“人情化”。例如斯堪的纳维亚的设计风格在设计适用、功能得到满足的基础上，淋漓尽致的凸显其设计的精神性因素，这种亲和力也引起了使用者在情感上的共鸣，因此受到人们的欢迎。

三、情感化设计的机遇与挑战——人机交互时代

《设计心理学》中对于情感化设计的提出距今已经过去了几十年光景，当下，人们所处的设计语境已经产生了更为复杂的转变，设计产品的精确性与功能性越来越强、种类也越来越复杂。设计面向的是一个以“非物质化”、“精神需求”、“消费异化”为主导的时代，在这一时期的设计对象不再局限于实体物品，产品范畴和边界不断扩展，从物质到非物质，从实体到虚拟的时代，从单一功能的关注拓展到基于用户体验和可持续发展的多元维度，是新的机遇与挑战下的情感化设计的新任务。

四、小结

如今，设计心理学的内涵与外延也在不断深化与发展，随着时代的前进，设计的复杂性与综合性也日益呈现。对于情感化设计，我们应当更加重视，使其理论更加完善化、系统化，并应用于设计改良中，正如诺曼所说：“优秀的设计会把所有因素融合为一体，使产品兼具艺术美、独创性与审美性，同时又很实用、有趣。

日本———东亚小国，地域狭小而人口稠密，但这样一块弹丸之地却诞生出了众多世界顶尖的平面设计师与平面设计作品。回顾历史长河，我们不难发现日本现代化运动是从1868年明治维新运动开始，而在二十年代到四十年代卷入了海外殖民扩张侵略战争中、在这一时期的日本设计基本发展停滞，直到第二次世界大战结束后，于上世纪五十年代才开始形成了自己的风格，八十年代开始能在世界平面设计中占据一席之地。如今，更是在国际上以独特的“日式美学”而闻名，体现出强烈的民族特性与与标准的国际现代设计相结合的特性。相较于欧美国家，日本民族传统、设计风格和文化根源都与西方格格不入，那么到底是怎样的发展历史造就了日本平面设计欣欣向荣的景象呢？

一、日本早期招贴设计——传统浮世绘余韵与国际主义构成风格的碰撞

浮世绘是日本传统文化之一，是一种兴起于江户时代的描述市井风俗版画，由肉笔绘演变而来、最初以“美人绘”与“役者绘”（能剧和狂言等戏剧人物画）为主要题材、以葛饰北斋的作品为代表。浮世绘无影平涂的色彩价值、自由而机智的构图方式都对欧洲印象派、后印象派以及新艺术运动等产生了影响，同时其延续下来的独特表达方式也深刻影响了日本的平面设计。与此同时，在二十世纪初，俄国构成主义设计风格与理念也传入日本、对于日本招贴设计产生了巨大影响，构成主义强调结构是设计的出发点、肯定形式与结构的合理性原则，这一点与日本传统文化中对于纵横线条与简单几何形的喜爱不谋而合、根据这一特点，日本招贴设计根据民族传统特点、对于构成形式进行调整，同时将本民族的特有形式语汇（能剧面具形象、动植物等）融入到招贴设计之中。

将日本传统浮世绘元素与构成元素结合，从而形成具有日本特色传统与现代并存的招贴设计，这一点在永井一正的早期作品中明显体现，他的招贴设计运用纵横排布的线条、是非常典型的国际主义设计方式，同时这样的手法也来源于民间与传统的装饰，是西方国际主义设计与日本传统美学的奇妙碰撞。同样值得一提的是田中一光的招贴设计，他对于色彩的高度凝练与秩序的几何图形排布、使得各种对比色、呼应色都能和谐地呈现一体。尤其是他对于日本传统浮世绘、戏剧、人物与字体等元素的使用，使他的招贴具有相当浓厚的日本特色。在田中一光的《日本舞蹈》系列招贴中，以几何形等分的画面与对比强烈的色彩是他对视觉平衡感的精准把握与符号高度的概括与提炼；在《第二十八回产经观世能》中，对能剧形象的简洁处理与高度精炼的背景把握、只剩下的红橙色调的眼睛、鼻子与嘴巴与纯粹的白底背景对比不仅体现了日本传统民族文化特有精神，更注入了现代设计风格的养分，形成了形式简洁、意境清新的视觉语言；同时，这一时期佐藤晃一的成名作《新音乐媒体》也是他对于光与形体以及色彩三者的巧妙结合，佐藤的招贴作品基于他对于禅的理解，找寻传统与现代的契合点，将现代设计观念与日本传统绘画的感受融合，在国际风格的影响下，用简单凝练的现代设计语言传达视觉信息，最终形成了一种特有的设计风格。

二、日本中期招贴设计——自我的设计语汇再审视与设计出路的找寻

从上世纪五十年代开始，日本设计界就对欧美的现代主义设计进行了全面的、历史的审视与了解，充分开始运用传统元素对其进行解读，并在传统中介入了现代图形简约的特点。同时日本政府对于设计高度重视与大力支持、意在通过设计复苏经济与加快社会发展，在这个时期，日本宣传美术协会成立、设立了优良设计奖，公开向社会征集优秀作品，发掘了一大批优秀设计师、也意味着日本平面设计进入了一个黄金时期。

1.运用传统元素解读

日本的设计最让人感兴趣的是对于传统设计的完整保护和发展，并且和现代设计融合为一体。例如日本的传统食品、传统的包装都保留了传统的元素，还影响了其他国家的设计。相对于世界其他民族而言，没有哪一个民族像日本和中国那样有着深厚的历史文化根源，而日本深厚的文化传统根治于大和民族的生活细节中、也体现在日常生活的设计方方面面上。从日本的招贴设计中能感受到平面中的传统感、无论是版面上的文字、图形以及各种元素，都能体现出日本的传统、有别于西方的设计风格，同时，日本许多生活生活用品、例如寿司盒、餐具、折纸等都体现了传统的美感，而这些带有传统意味的用品又作为视觉传达设计中的符号与元素反映在招贴中。例如龟仓雄策的招贴设计《日本传统行动艺术友好使节》使用了花卉、叶子等日本传统图案，而且只用这些图案来传达信息、在传统中解答招贴表达的含义；同样，在田中一光的《第五回产经观世能》中把日本传统的“能面具”与瑞士新设计运动的构成风格结合起来，形成了正反两极的表现手法，并在色彩上采用了降低明度、提高纯度的日本传统色彩处理方法。

2、在传统中介入现代图形的简约

日本受包豪斯的影响，它的招贴设计一般也使用简练的现代手法，同时将这种现代的手法和日本传统特色相结合，在传统中介入现代图形的简约。如龟仓雄策设计的1964年东京第十八届奥林匹克运动会的标志与海报，首先从历史背景来讲，此时的日本刚刚从二战的沉重打击中复苏过来，日本政府急于利用奥运会开展的契机来推动经济的发展、并借此机会在世界上提升其影响力。因此迫切需要一个便于传播和记忆且带有日本民族特征的独特形象，龟仓雄策负责了此次总体平面设计内容，包括标志、海报招贴以及视觉传达系统等，强烈的视觉冲击成为本次设计的最主要特征，在作品中总体的视觉都具备典型的国际主义色彩，同时又紧紧将红色的“太阳符号”与奥运五环联系在一起，使之具有日本传统族徽式的象征性同时又呈现总体简约大气的形象，对于全世界的视觉传达设计都产生了巨大影响。

三、日本后期招贴设计——视觉传达设计的鲜明自我意识与个性的塑造

上世纪八十年代起，日本经济进入高速成长期，这在日本历史中，从文化精神和意识形态的角度讲具有划时代的意义。随着经济基础的日益巩固，开始出现了与欧美抗衡的势头，反映在艺术上，独立进行思想艺术探索的设计师开始出现、他们敏锐地保持一种作为文化艺术先锋的自觉。例如斋藤诚是一个趋于极端的、激进的平面设计师，他的设计所反映出来的是一种心理状态，在他的海报设计作品中会省略画面情节，传递艺术的精神性，从而模糊了招贴的商业目的，不再从社会概念出发而是以张扬自我为海报的内容情节。因此，造型风格也从静态造型转向动态造型。斋藤诚恢复了招贴设计艺术手段的自由以及海报的特殊规律性和纯洁性。

四、小结

从日本招贴设计中传统与现代并存的发展特点而言，日本的平面设计在西方现代设计思想的影响下并没有丧失民族性，相反他们合理的吸收，理性的取舍，使自己的民族风格得到了更好的发展，从发展之初的“日本仿造”，到如今被世界认可的“日本制造”，这是一条艰辛的路，也是一群人披襟斩棘之路。中国与日本同样具有深厚的文化历史，当我们现在谈起如何将传统与现代结合的问题时，从某个意义上而言，日本自二战以来平面设计的发展，对我们中国处理现代与传统问题有很好的借鉴作用，在寻求传统与时尚的统一，对传统取其形、延其义，使传统与现代并存发展。立足于本国文化，从丰富的大国底蕴中汲取精髓和灵感，把自身的设计思考与浩瀚的历史相连。立足自身，不断地培养自己的设计风格，不管前路多坎坷，保持一份对于生活的细腻观察与思考。

正如阿尔文·托夫勒在《未来的冲击》所描述：“虽然人类已经有五万年的生存史，但当前人类所使用的绝大多数物资都是第八百个世代的成果。”他将第八百个世代阐述为“断绝的时代”，即变革速度大大提升、变革范围与影响也远超以往任何时期。不难发现，我们当下所处的是一个以数字化、万物互联和高度智能化所主导的时代，智能技术和智能化服务得到了广泛应用，改变我们生产生活方式的同时提高了社会治理和服务效能，与此同时，我国老龄化人口数量也面临着快速增长，并且他们中大多数都未曾深度接触过互联网、对互联网信息及技术的获取与认知水平更低，在无法享受互联网带来的便利同时、日趋复杂的交互技术也令他们望而却步，因而造成信息落差的进一步分化，数字鸿沟就应运而生了。因此，老年人如何跨越数字鸿沟、解决银发时代智能困局，成为设计发展的题中应有之义，下文将结合视觉传达设计专业对如何协助老年人跨越数字鸿沟进行论述。

一、跨越数字鸿沟的设计应当做到“两条腿走路”

智能化时代的到来使许多老年人成为了边缘化群体，究其原因其实可以归纳为以下几点：老年群体的学习能力和适应性都相对趋弱、自身对于高科技产品的畏难情绪以及设计在一定程度上忽视了老年群体的需求等；比如智能家电已经成为家电市场的主流，但它的操作复杂性与功能繁多使得大部分使用群体是中青年，而并非老年人。而在市场上功能简单、适用于老年人的传统家电少之又少。这些种种原因都加剧了大数据互联网发展时代下老年人所面临的数字鸿沟的进一步扩大，造成当下了银发时代的困局，是设计有待进一步思考与解决的主要问题。而设计的“两条腿走路”就是要求一方面应当使智能化设计适应老年人的需求，另一方面又应当要不断改进并完善传统设计，从而满足老年人也会产生的多层次需求、进一步做到“以人为本”的设计中有关使用方面的需求。例如斯堪的纳维亚的设计在这方面就值得我们学习参考，斯堪的纳维亚的设计从注重文化的传承与本土材料的结合运用，特别是以阿尔瓦阿图为代表到九十年代以后产生的众多高科技、高技术产品，以诺基亚、B&O为代表，给予了北欧乃至世界的消费者多样化、多维度的选择，不仅对于传统设计积极改进完善、以此来适应时代发展下消费者派生的新需求同时也不断优化高科技产品，使其更为简洁易懂。

二、跨越数字鸿沟的设计应当注重需求导向与普遍适用的结合

需求导向性与普遍适用性相结合的设计就是要求我们坚持普遍适用与分类推进相结合，强化问题导向与需求导向。针对老年人在运用智能技术方面遇到的突出共性问题提供设计解决的方案、同时对不同年龄段、不同背景、不同生活环境及生活习惯的老年人分类梳理问题，从而采取差异化设计解决方案，而不是简单地“一刀切”式设计。以无障碍设计为例，无障碍设计这个概念名称始见于1974年，是联合国组织提出的设计新主张，其强调在科学技术高度发展的现代社会、应该充分考虑一切有关人类衣食住行包括公共空间与各类基础建设的规划设计，并充分考虑具有不同程度生理伤残缺陷或正常活动能力衰退者（老年人）的使用需求，从而营造一个充满爱与关怀的安全舒适的现代生活环境。在当下万物互联的时代，无障碍设计更应当迅速将新技术、新的设计因素考虑在内，并从多方面、多维度给予各个群体关怀与温暖，又例如雄安新区的智慧城市建设，以信息通信技术为城市运转的核心、随着不同规模计算设备发展与设备智能化开发，进一步实现对于城市的实时监控与监测，满足城市居民的各种需求，从而实现需求导向与普遍适用的有效结合、发挥设计为所有人服务的特点。

三、协助老年人跨越数字鸿沟的设计——从“关怀设计”到“通用设计”

老年人因为年老、体弱、多病而造成行为障碍，从而成为关怀设计的对象。关怀设计是为少数人服务的专用产品和设施的特殊设计，是为了使他们得到特别的照顾。但这种差别化设计使障碍形态化、扩大了不同人群的差别、造成少数人心理压力。而通用设计有助于减轻这种压力，使人人得到尊重。例如微信的关怀模式就是将这一点贯彻落实，关怀模式下字体更大、色彩更强、按钮更大，同时开启朗读文字消息功能。微信将关怀模式放置于所有人的设置选项中，使之成为一项微信的基本功能，将对于老年人使用场景模式的考虑规划到通用设计之中，不仅对老年群体有利，对正常人也是有利的，也是视觉传达设计在新科技冲击下对于交互设计新范式的探讨，视觉传达设计不仅仅是装饰与美化、它的主要功能应当是合理调动所有平面的因素，达到传达的目的、这是视觉传达设计的真正功能，关怀模式下虽然会丧失部分版面的和谐性、例如字体大小与图片比例的失衡，但却使老年人识读文字的过程更加方便，体现了以人为本的设计思想，体现了设计的论理性和社会责任性。

四、小结

在科技突飞猛进的时代，与人类生活密切相关的设计应当为社会弱势群体所考虑，协同老年人跨越数字鸿沟，使复杂的技术通过设计转化为老年群体方便使用的产品，让我们的世界更加温和美好。

论述题：如何理解传统工艺与现代设计的关系

传统工艺是历代劳动人民、工匠与艺人的伟大创造与智慧结晶，种类繁多、工艺精湛，闪耀着艺术的光辉，同时也是精神文明与物质文明的具象载体。现代设计广义上是西方工业革命设计与制造分离背景下诞生的产物，从一开始就与工业化、机械化大批量生产密不可分。时至今日，伴随着科技技术的发展，经济发展与利益最大化需求使机械生产在科技和生活领域处于垄断性地位，致使人们对于审美的需求也逐渐转变为对机械的崇拜。当下，虽然符合机械化工业化大生产的设计才是符合时代发展的趋势，但如果忽视了对于传统工艺的继承，则会使得现代设计沦为毫无灵魂与内涵的工业制品。因此，如何理解传统工艺与现代设计的关系，是当下设计的题中应有之义，下文将对此展开论述。

一、传统工艺为现代设计注入“活的灵魂”

传统工艺承载了宝贵的匠人精神，是美学和生活的结合，是科学与艺术的产儿，它具有物质生活和精神生活的双重属性。因此传统工艺能提供机械生产大背景下的现代设计所不具备的“活的灵魂”、为现代设计注入文化内涵。传统工艺内在的深厚底蕴与智慧，是重复枯燥的机械活动所无法企及的高度——即人的高层智慧体现。例如获得红点奖的《echo回声》系列茶具产品设计，制作过程沿袭传统宋瓷制作工艺，融入地宫藏宝理念，揭开茶海的盖子，别有洞天、自成方圆，集合了瓷器、石砚等多种工艺融为“书香”一体，兼具茶具、香器、砚台、收纳盒等多功能，立足于东方工艺美学传统，运用现代科学技术手段，赋予瓷器以独特的“回声”效果，体现这一核心设计理念，让更多人去思考与感受自己受到的恩德。《echo回声》系列茶具是将传统文化运用于设计中的优秀案例，它以传统手工艺、现代设计思想为根基，发展出了一条独特的设计道路，也是传统工艺为现代设计注入灵魂的展现。

二、现代设计为传统工艺的传承与创新提供多样化方案

根据佩夫斯纳在《现代运动的先驱》一书所著，设计的最早发源可以追溯到英国第一次工业革命时期，至此以后，设计就与科技和工业发展息息相关。正因如此，设计往往体现了当下最新的科技前沿技术，由此得知设计与科技早已经密不可分，并且根植于科技。因此，我们可以借助现代设计的力量为传统工艺的创新与传承提供更为多样化的方案，为传统工艺寻找到创新与传承的最优方案，因为传统工艺的传承与创新没有固定模版，有的应该是最优解。正如王澍花费了八年时间从当地工匠身上学习传统的建筑技术、寻找与现代设计理念结合起来的方案，探索属于这个时代的《营造法式》，从青瓷、青铜、夯土、水榭、连廊等各个工艺都潜心研究，这种传统工艺与现代设计的创新融合方案贯彻落实到了他后来的宁波美术馆、宁波博物馆与中国美术学院象山校区的设计上，传递出独特的中式美学理念与艺术价值，展现出了建筑设计中的中式造物思想，为中国未来建筑设计拓展了方向，即传统工艺的创新与传承的新方案，是继贝聿铭先生以后又一中式建筑创新的代表，同样也是现代设计为传统工艺提供创新发展多样化方案的代表。

三、传统工艺与现代设计的融合——从“中国制造”到“中国智造”

今日的中国设计，如何从中国制造向中国智造转变，是作为设计从业者的我们应当认真考虑的问题。如何走出现代设计四十年发展以来对西方设计的一味模仿与借鉴，从富有中国传统哲学思想的中国传统工艺中寻找到力量是题中应有之义。纵观日本双轨制设计，我们可以发现日本设计从模仿——借鉴——发展——创新的四个阶段的转变，到逐渐在世界设计中也占据一席之地；又可以从斯堪的纳维亚半岛的设计作品中，窥见传统本土文化与现代设计结合的重要性。回到中国设计，我们不仅有华夏五千年历史文化底蕴、又有先进发达的科技技术、还具备大量的设计新生力量，如何将它们创新结合起来、才是应该考虑的重中之重。例如比亚迪仰望U8的设计，在logo上参考了甲骨文字体并进一步设计调整，而车前脸又参考了国之重器《司母戊大方鼎》的造型，这样的设计正是“中国智造”的优秀作品、也是我们对于文化自信、国家道路自信的表现，也正是由于这种身份认同我们才产生了类似的大量作品，在当下世界设计中彰显了中国设计的力量，是传统工艺与现代设计的完美结合与演绎。

四、小结

知识要换代，但并不意味着另起炉灶，不要遗产。包豪斯正是因为对于历史的偏见，造成了它单一的唯理性局限。传统工艺由于时代的局限、或许不可避免的美中不足，这就要求我们站在现代设计的基础上推陈出新，取其精华、去其糟粕，以扬弃的方式加以批判性地继承，因为传统工艺与现代设计的融合发展才是设计的立足之本。

正如鲍德里亚在《物的体系》中提出：“我们的世界实际上是由和我们生活存在密切相关的、事物的体系所构成的世界。”人与社会和环境三者共同构成了我们的生活世界，而根据这基本三要素我们可以将设计划分为三个领域，即视觉传达设计、环境设计与产品设计。

一、沟通人与社会的桥梁——视觉传达设计

视觉传达设计是人与社会沟通的媒介，是连接着人与社会之间的桥梁，是利用视觉符号来传递各种信息的设计，设计师是信息的发送者，传达对象是信息的接受者。因此，视觉传达是艺术与信息的结合，是商业的艺术、媒介的艺术，是大众传播的艺术和通俗的艺术。视觉传达设计这一定义可以追溯到二十世纪六十年代在日本东京举办的世界设计大会，大会的内容包括从报刊杂志、招贴和印刷宣传物等一维平面设计到以电影、电视及电子海报为代表的二维设计，展现了一种“看得见的信息传达”，因此，将类设计统称为视觉传达设计，即一种以平面造型为主的、沟通人与社会之间的媒介。

同样，视觉传达设计又可以归为印刷设计，即Graphic Design，进一步衍生为一种通过印刷术、摄影术以及图示法进行视觉交流和解决问题的过程。当下，伴随着科技的发展也带来了技术的进步，如AR现实增强技术，使以往单一维度的平面设计与展示环境产生了交互，为受众带来了更深层次的体验。例如以往的展示设计中的印刷设计展品，往往难以与受众与陈列环境产生联系，无法满足观者的情感需求，而现实增强技术的产生，使得平面设计作品中的图像、文字能与周遭环境发生联系，为观众带来更为直观、立体的艺术展览体验，通过扫描WebAR让观众更加积极参与展览，增加了展览的互动性与趣味性，是视觉传达设计在当下的又一表现形式的突破，重新定义了传统意义上的传达模式，发挥了设计的创造性能力。

二、协调人与环境的工具——产品设计

产品设计是人类为了生存发展而对以立体工艺品为主要对象的造型活动，是追求实用功能与使用价值的重要领域，是协调人与环境的工具。所以产品设计是艺术与实用人造物品的设计，是根据市场的需求对产品的造型、材质巧妙结合的设计，以此来满足消费者的使用需求。因此，产品的功能性原则尤为重要。产品设计又可以成为工业设计，即Industrial Design，是指通过批量化生产技术制造产品的过程，从第一次工业革命以来，它的主要特征就成为了设计与制造的分离，即确定和定义产品的形式和创造性行为是建立在制造产品的物理行为之前。

产品设计（工业设计）的定义跟随着特定的语境一直发生着微妙的变化，当下的工业设计应当是引导创新、促发商业成功与提供更高质量生活的设计，伴随着工业4.0时代的到来，数字设计的产生和参数化设计的发展，工业设计也应当积极运用科技技术优势，创造一个更温和美好的世界。例如当下的老龄化趋势严重，为老年群体打造的设计和技术就显得尤为重要，例如Familia 智能时钟不仅有日历和报时功能，还设置了一个提醒的“布谷鸟”，它会在设定的时间弹出并提供药物，从而帮助老人避免忘记吃药的问题。在兼具传统时钟功能同时通过“布谷鸟”的趣味形象增添了老人生活情趣，同样是一个有温度、有“尊严”的设计、闪耀着人性的光辉，这样的智能产品设计才会使得老年人乐于接受，是产品设计以用户为中心原则的体现与对情感导向的重视。

三、联通社会与环境的走廊——环境设计

环境设计是以整个社会和人类为基础、以大自然和空间为中心的设计，也可以称为空间设计，环境设计是联通自然与社会的走廊，是为人类社会与自然环境和谐共处所考虑的设计，以人类生存所具备的必要条件为设计原则，充分满足人类生活的需求。其次，环境设计又可以成为建筑设计，即Architecture Design，因为建筑既是规划、设计和建造建筑物的过程，又是规划任何其它结构的过程和产品，是考虑社会与环境相适宜的设计、又是协调社会经济效益与可持续发展的设计，因此环境设计是涵盖建筑工程技术与人文艺术科学的综合性交叉设计。

当下，伴随着5G的发展、万物互联时代的来临，环境设计可以通过云计算、大数据、空间地理集成等智能计算技术应用，为人类社会与自然环境的发展提供更加优质的服务与更加智慧的方案，赋能环境设计，从而发展绿色城市、智慧城市与低碳城市的建设。例如同济大学发起的NICE2035实验，将城市更新重新定义，即旧城改造不应该仅仅是“涂脂抹粉”、“楼道美化”，而应该是基于社区核心孕育的未来，是创新生态的变化；同济大学和所在的四平路街道融合，将学院的实验室开进社区，启动创新、创意、创业的社区项目，搭建起如共享厨房、未来起居空间、未来办公和未来生活等未来生活场景，是未来生活场景的集合与造梦者社群的家，也是环境设计发展新范式的优秀范本，构建了社会与环境和谐关系。

综上所述，随着时代进步，当下的语境下设计越来越回归到对人的情感导向需求的注重与可持续发展的强调，设计的范围越来越广泛、涉及的领域也越来越多，因此设计不应该只是构思、构图与规划等，设计应该扩大到以地球、生命、历史与人类智慧为依据的未来想象，为地球上一切有生命的东西而存在。

论述题：结合自身专业方向相关案例，论述可持续设计的背景、目标与策略。（30分-60分）

从视觉传达设计专业相关管窥可持续设计发展

可持续设计是与人—社会—环境三者紧密联系的设计，最早可以追溯到上世纪八十年代维克多帕帕纳克《为真实的世界而设计》一书中探讨的有关设计师的社会责任问题。时至今日，可持续设计经过了生态社会到产品系统服务设计再到现今的社会创新设计四个阶段，可持续设计在当下的语境下被赋予了更为深刻的意义，下文将结合视觉传达设计专业方向相关，论述可持续设计的背景、目标与策略。

一、 “追根溯源，正本清源”——可持续设计背景挖掘

设计是人们为了实现一项目标而进行的创造性活动，设计的本质是服务于人，不同于单纯表现自我精神与个性的艺术，设计被赋予了助力时代发展与实现人类幸福生活的义务。因此，每一种设计风格或设计运动都或多或少从侧面反映了那个时代特定的问题、并担负着解决问题的责任，所以挖掘可持续设计的发展背景也成了当下设计师的题中应有之义。（半小时）至此，回顾可持续设计的发展，我们可以洞见可持续设计的起源可以追溯到上世纪五六十年代美国作家蕾切尔•卡逊的《寂静的春天》一书出版，当即引起了社会对于环境与资源保护问题的探讨；二十年后，在设计界中，维克多帕帕纳克在《为真实的世界而设计》中率先将绿色设计引入了设计师的社会责任，因而影响到后来的社会对于可持续发展的深刻需求。可持续设计再经过后来的几十年演变，从生态社会发展到了系统服务设计再到现今的社会创新设计。至此，可持续设计在内容上进一步推展和完善，包括对于本土文化的持续发展、对文化与物种多样性的尊重以及可持续的消费模式的提倡等，并向全球化浪潮下大众精神层面和情感模式进一步的拓展。

二、 “管中窥豹，见微知著”——可持续设计目标探讨

可持续设计的发展包含三个方面内容：一是经济可持续发展、二是生态可持续发展、三是社会可持续发展，视觉传达设计专业中融入可持续发展理论，从本质上来讲，就是有关社会的可持续发展，在一定程度上满足人们对于物质发展的需求，避免出现过度消费、进而实现健康的发展模式。因此，这需要视觉传达设计专业在实践中积极运用当下的高科技技术基础、以及努力突破二度空间平面为主的传达模式，来满足社会与物质飞速发展下人民的新需求。例如曾经的博物馆展览模式以普遍的平面展示为基础，展览陈列往往采用单一的陈列模式，这使得展出的展品不能向参观者传达该有的情绪；以单一维度的展示方式往往无法引导参观者与展品、展示环境产生深层次的共鸣，人的体验感下降，需求得不到满足。而以AR现实增强技术为代表的一系列技术的出现，使得平面设计作品能够实现平面中的文字、图案等元素与现实结合，从而为受众提供了更加多维度的解读模式、打破了平面作品以往的体验模式，增加了受众与作品的互动，满足了人们的情感需求、是可持续设计与视觉传达设计的良好结合，即回归到设计的人本主义范式，也是可续持续设计对于社会责任的强调，以及对于更加符合经济、社会与生态三者的可持续经营方针的拟定，为当下视觉传达设计的发展出谋划策。

三、 “兼容并蓄，博采众长”——可持续设计策略谋划

知识要换代，但不意味着要另起炉灶，不要遗产。包豪斯就是因为它对于历史的偏见，造成了它单一的唯理性局限。设计史从根本上讲是基于时代发展下的产物、是基于人们价值观和消费观的变革，因此由于时代的局限，不可避免的或许美中不足，这就需要我们立足于当下、加以辩证地继承与汲取历史的精华，正如新艺术的辉煌旗手—穆夏的海报设计，他的作品一方面吸收了日本木刻版画对于外形轮廓的优雅刻画，另一方面，又汲取了拜占庭艺术华美的色彩与几何装饰效果，以及巴洛克、洛可可艺术充满肉感的与细致的描述。正可谓是博采众长、融会贯通的设计风格，为后来的视觉传达中的招贴设计提供了优秀的范本，对于当今的视觉传达可持续设计发展也展现了良好的案例。

综上所述，可持续设计背景下，设计师不仅要能在对社会、对生活的观察中发现问题，根据技术提供的可能性解决问题，还要向前一步，真正从人的需求社会和生态的发展出发，孜孜以求，带给人类一个温和美好的世界。

简述人工智能背景下的创新设计思维

开篇：设计思维定义、人工智能大背景引入

分论一：“包罗万象”——更为多维度场景的运用

从工业时代到后工业时代、杭州奥体场馆

分论二：“兼收并蓄”——更为多领域学科的融合

交叉研究装置

分论三：“溯本清源”——人本主义范式的回归

设计思维是以人为本的设计精神与方法，考虑人的需求、行为、也考量科技或商业的可行性。设计思维于上世纪六十年代形成初步模型，到七十年代左右首先在罗伯特·麦金《视觉体验思维》一书中提到，并创造了称之为“视觉思维”的设计方法、系统地提出了设计思维研究，再到九十年代引入美国斯坦福大学教学大纲之中，最后传播到以IDEO为代表的设计咨询机构，成功与商业化接轨、开始成熟，而后全面开花。时至今日，设计思维已经进入到后工业社会，在以人工智能为大背景下当下产生了相应的转变，下文将对人工智能背景下的创新设计思维的转变展开论述。

一、“包罗万象”——更为多维度场景的运用

从工业社会到后工业社会，人们迎来了生产力的进步与生产工具的转变同时，设计思维也从为了符合大规模生产的要求与对商品利润的追求、在生产和流通以及使用的系统中思考设计对象的功能使用方式、形态和结构问题转变为了产品、内容和服务所构成的一个更为复杂的系统而考虑。同时，创新设计思维在人工智能时代下所设计的内容变得更为复杂与多元，除了包括对人——产品——环境的设计对象系统的认知，创新设计思维所涉及的问题还要包括文化、经济、技术和社会发展要素等等。例如杭州奥体中心体育场，智能创新就在场馆建设中发挥着重要作用，奥体中心体育场（小莲花）利用“旋转开闭屋盖”原理，世界首创的顶部八片各重180吨的“花瓣”动态开闭、采用2.6G异频和4.9G同频的双层高密度组网及超窄波束多频段赋型天线，让即使八万人在场馆开闭幕式现场，也可以流畅体验刷微博和发朋友圈，同时赋予场馆大智慧，杭州奥体中心、黄龙体育中心建设“智慧大脑”、“亚运驾驶舱”，实现场馆监测、分析、预警、决策、指挥一体化管理。杭州奥体场馆是创新设计思维在人工智能场景下多维度运用的典范，发挥了创新设计在多要素构成场景下的重要性。

二、“兼收并蓄”——更为多领域学科的融合

更为多元化、多维度场景运用下的人工智能时代背景也为设计思维的运用提供了更多样的新兴技术，促使设计转向更多领域的合作融合创新，不同于以往为了解决某一单一领域的问题而展开的行为，当下的设计需要对文化、经济、技术等社会要素深刻理解的基础上主动设问，跨越不同领域学科去识别问题。例如由美国麻省理工学院媒体实验室的奈里教授的交叉研究团队设计的装置，它是由数字化设计和机器人制造而成的，其材料是取自树木、苹果、动物骨头而形成的纤维素、壳聚糖和果胶、碳酸钙，能够基于特制的龙骨而生长，有很高的空间分辨率，具有多种机械、化学和光学功能特性，可以响应环境中热量和湿度的变化，并在水中自然降解。在这个项目中，机器人制造、生物材料、数字化设计等技术被设计团队很好地整合在一起，探究了未来的形式、 功能和制造之间的紧密集成，同样是人工智能时代背景下多领域学科的融合共建，通过创新设计思维整合为一体，创新设计思维在其中引领了技术的原始创新、实现了进一步的发展，也是未来设计教育应当深刻探究的方向。

三、“溯本清源”——人本主义范式的回归

设计总是受到科学与技术的影响，一方面，技术的发展可以帮助人们去更好实现一些想法；另一方面，技术的不断向前发展，也为设计师提供更加广阔的想象空间，从而从技术层面创造更好的设计作品。人工智能时代在很大程度上解放了技术对设计的限制，完成机械程序的执行，从而使人能够发挥更高层次的人的智能，规避了因技术而限制设计发挥的可能性，因此创新设计思维则应该从人的需求、情感导向出发，回归到设计的最本质目的，即为人而服务。例如在过去，展馆陈列往往采用单一的陈列模式，这使得展出的展品不能向参观者传达该有的情绪，特别是以平面作品为代表，单一维度的展览与表现，往往无法引导参观者与展品、展示环境产生深层次的联系，人的体验感有所下降、需求得不到满足，而人工智能时代背景的当下，产生了AR增强现实技术为代表的一系列技术，AR技术使得平面设计作品能够实现平面作品中的图像、文字等元素与现实结合，从而为受众提供了更加多维度的解读途径，打破了平面作品以往的体验方式，增加了观众的参与度与互动性，满足了受众的情感需求，是创新设计思维回归到人本主义范式的代表案例。

综上所述，人工智能时代背景下，设计师不仅要能在对社会、对生活的观察中发现问题，根据技术提供的可能性解决问题，还要向前一步，真正从人的需求社会和生态的发展出发，孜孜以求，带给人类一个温和美好的世界。

论述题：结合明计成《圆冶》中有“三分匠七分主人”说法。“匠”是指修造园林的匠人，而“主人"则是指“能主"之人，是有能力的主持和规划设计园林的人，说明人作为造物的主人，对于设计创造的重要性，请通过对这一问题的理解，选择一个熟悉的设计领域(如视觉传达设计、产品设计、装饰艺术设计、数字媒体艺术设计、环境艺术设计)。谈谈你对人在设计的主体性认识，以及作为具有主体性的设计师应有的能力、责任和素养。
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开篇：
“匠人”与“主人”+当下设计语境新定义+设计师的重要性与主体性

一、设计师当权衡商业性与公益性平衡——美国有计划废止制度

    美国商业性核心、功能型、合意型、质量型

二、设计师当具备前瞻性与未来性视野——从绿色设计到社会创新设计

    可持续设计的四个阶段

三、设计师当推动传统文化的创新发展——陈之佛与尚美图案馆

  “真正的传统是不断前进的产物，它的本质是运动的不是静止的，传统应该推动人们不断前进。”

四、中国设计师当诠释中国特色设计方法论——社会性的顶层设计

  《中国方案》、社会设计

总结展望+启示**

    计成在《圆冶》一书中提到“三分匠七分主人”，强调设计师在设计活动中的重要位置，即“主人”，区别于单纯提供技术支持的“匠人”、点明了专业的设计师对造园的重要性。时至今日，自第一次工业革命以来设计与制造已经发生了分离，并且在新的语境下产生了新的定义，设计迎来了以“消费异化”、“情感需求”、“非物质化”为主导的当代，作为设计师也同样面临新的挑战，时代对于设计师提出了新的责任与使命。
    一、设计师当权衡商业性与公益性的平衡
    现代意义上的设计概念是伴随着西方工业革命催生出来的，是西方工业革命带来的批量生产的新生产方式和销售方式背景下应运而生的产物，因此现代设计这个产儿自出生以来就不可避免与商业性紧密联系。二十世纪五六十年代，为了满足商业需要与刺激消费者消费，美国通用公司总裁斯隆与设计部主任厄尔在汽车设计中有意识地推进一种制度：即在设计新的汽车式样时，必需有计划地考虑以后几年间不断更新部分设计、每三到四年有一次大的变化，造成有计划的式样老化过程，即有计划废止制度。有计划废止制度代表了美国商业化设计的核心、极大刺激了消费发展，但对环境造成的伤害与对资源造成的浪费是不可逆的，这种置市场竞争于最优先位置的设计法则在今日看来并不可取，因为它违背了设计应当为人创造更美好的生存环境所考虑的永恒命题，当下设计师应当努力寻找商业性与公益性的平衡，以社会的可持续发展为己任，而非一味只注重经济效益、失去初心。
    二、设计师当具备前瞻性与未来性视野
    伴随着国际主义的式微，后现代主义思潮在设计中占据主导地位，人们更加重视设计的可持续发展，在上世纪八十年代帕帕纳克在《为真实的世界而设计》中批判了设计的功利性，并指出设计师应当为人类的生存状况负责、为环境和人类未来的福祉而负责，绿色设计便应运而生了。时至今日，可持续设计已经经过了生态社会、产品服务系统设计到了社会创新设计的阶段，进一步拓展与完善了范畴，不同于单纯对于物质化方案的解决、同样对于非物质化也引起了重视，转向了对于全球化浪潮冲击下的社会和谐与大众精神层面和情感世界的拓展，更具备人文关怀与温度。未来，以大数据与人工智能引导的科技为主导的设计已是大势所趋，如何才能利用好这个重要的资源与工具呢？这就要求设计师应当具备一定的前瞻性与未来性视野，积极地把握时代的风向，主动地学习相关方面的知识与技术，利用好人机交互的方式来进一步提升自己的专业技能与素养。例如在视觉传达设计领域，利用AR技术制作的增强现实设计海报作品，实现海报的图像、文字等元素与现实的结合，为受众提供了更加多维度的解读途径，打破了平面作品以往的体验方式，增加了观众的参与度与互动性，塑造了视觉传达设计的新范式。
    三、设计师当推动传统文化的创新发展
    格罗皮乌斯曾提到：“真正的传统是不断前进的产物，它的本质是运动的不是静止的，传统应该推动人们不断前进。”纵观今日，在全球化进程飞速发展的时代，由于经济发展的需要使机械化大生产处于垄断地位，致使人们对于审美的需求也逐渐充满对于机械美学的崇拜，虽然符合工业化机械化大批量生产的设计才是顺应大时代的洪流，但缺乏文化内涵的现代设计是没有底蕴的、是无法长远发展的。而我们的传统文化就是能为现代设计发展提供源源不断灵感与智慧的源泉。上世纪二十年代，陈之佛在上海创立了尚美图案馆，开创了我国第一个直接服务于工业制造环节的独立设计事务所，打破了垄断图样设计的西方资本产业、推动了中国民族企业的发展。尚美图案馆的图样设计兼收并蓄、不同于对传统纹样的单纯描摹，而是利用现代手法进行重构设计，使传统、时代与创造性融汇相交，诞生出一大批不失本土文化特点且具创造力的现代图案，满足了都市消费者“时尚日新”的审美需求，受到厂商普遍欢迎，这是陈之佛先生早在百年前的今天就为我们在平面设计领域中展现了“古为今用，洋为中用”的设计方法理念，其中不少的设计图案已经呈现出与欧洲新艺术和装饰艺术风格的同时态性，这些都于他对传统文化与现代设计的融汇创新发展设计理念息息相关。
    四、中国设计师当诠释中国特色设计方法论
    理科是发现并解释真理的，工科是解构建构技术的，文科是有关是非道德的认知，艺术是品鉴自然、人生、社会的途径，而设计则是在上述四根柱子上“谋”事，创造更合理、健康、共享的生存方式。到了二十一世纪，中国面临的是一个新的抉择，到底是继续跟随西方还是挖掘中国传统文化精神，思考背后的本质和精神内涵是什么？这是今日的中国设计师应当认真思考的问题，中国有五千年文明基础，又有完整的工业制造体系与社会组织保障，将是未来世界的希望，也必将影响世界设计的发展方向。因此，中国设计方案应当是激发人类社会深刻变革、且具备社会性的“战略层面”的顶层设计，中国设计师应当致力于发展中国特色设计方法论，不断研究积淀了五千年文明的中国“认识论”，传承中国传统文化精神的“哲学观”，实现《中国方案》“风清气正”的需求，中国特色设计方法论应当是真正的中国传统精神与可持续发展的设计逻辑先于高科技成为设计行业的最坚实的基础。中国设计师应当看到这个世界的真实需求，从而定义需求、引领需求、创造需求。
    艺术家见自己，科学家见天地，设计师见众生。对中国设计师来说，我们有责任去诠释习主席提出的“以人民为中心、共同富裕、精神文明协调、自我发展的全新道路”，诠释走向现代化设计的中国方案。
    综上所述，作为视觉传达设计专业的设计师，应当起到协调好人与社会进一步发展的作用，关注设计的未来性，关注大众的情感需求，重视设计的可持续发展，具备前瞻性与未来性视野，为推动社会发展和为人类谋福利而设计。

三、简答题

请简述商代青铜器的装饰特点

殷商时期，是我国历史上第二个朝代，也是奴隶制发展鼎峰时期，由于生产力的提高，手工业也因此显著发展，除了烧制陶器外，人们开始从矿物中冶炼红铜、加入锡铅经烧制锻造后即形成了青铜器。在王权神授观影响下，商人对于鬼神宗教的迷信和统治阶级对武力权力的崇尚都反映在青铜器的装饰上，主要体现在：

1、单独适合纹样为主的装饰组织形式

首先，商代青铜器纹样主要为单独适合的组织形式，而这种单独的纹样常常以饕餮纹为主体，或以双夔纹构成一个饕餮，且多装饰于器物的显要部位。

2、对称的格式为主的图案格式应用

青铜器上的兽面纹往往是正面对称的形象为主，象征着威严、凶猛，一方面均衡的格式往往产生活泼感、而对称的形式则产生庄严感，起到了统治阶级震慑奴隶的作用；另一方面，也与器物的制作形式有关，青铜器常用模块制作花纹，运用左右对称的方式能使得图案更加工整完善。

3、主纹与地纹相结合的纹样装饰手法

商代青铜器多采用主纹结合地纹的装饰手法，常常以饕餮纹作为主纹，以回纹作为地纹，这种装饰手法增加了纹样的层次感同时，也展现出青铜器的装饰依据其不同结构从而装饰手法也有的放矢，这种节制的纹样装饰手法，主纹与地纹互相衬托下使得整个器物更具有节奏秩序的观赏性。

4、宗教意义大于审美意义的纹样内涵

最后，商代青铜器的装饰技术与手法无论在当时还是现今都是极为精湛卓越的，但这种艺术审美上的需求必须首先服从于其宗教意义的需求，商朝是一个尊神崇鬼的奴隶制社会，大小事情都需要请示鬼神、进行占卜活动，于是这些活动对此时青铜器的造型与纹饰发展即起到了决定性的作用。当今，我们在摆脱了当时特定的时代背景下的思想要求，将商代工艺品作为纯粹的传统工艺进行欣赏，从而获得更多的是美学的欣赏。

综上所述，商代青铜器的装饰是为适应奴隶制社会应运而生的，它从侧面反映了商代的时代背景与精神面貌、同时也展现了我国手工艺匠人高超精湛的技术。

四、论述题

陈寅格说：“华夏民族文化，历数千年演进造极于赵宋之世”宋代(两宋时期)为什么是我国古代艺术文化的高峰?对我国现代的设计有什么启示?

陈寅格说：“华夏民族之文化，历数千年之演进，造极于赵宋之世。”宋代商品经济腾飞、文化繁荣，在历经五代十国的动荡后采取了重文轻武、君臣共治的国家政策，转向普及教育、稳定人心与减少浮躁的社会氛围，艺术文化更是在中国历史上达到了封建社会的高峰。

1、两宋美学——华夏登峰造极境

西方的文艺复兴一般指发生在14到16世纪的欧洲人文主义运动。所谓复兴，即复兴“轴心时代”的文明。在此之中，人类历史经历了理性的觉醒，文明产生了质的飞跃，影响深远。而中国的轴心时代大约开始于公元前11世纪的周公时代，结束于公元前200前后的秦国统一。周公时期的理性觉醒和先秦诸子的百家争鸣，无不闪耀着人类精神的理性之光。

但人类历史上文艺复兴也并非只有一次。我们中华文明，是一个连续性的文明，就反复、多次出现文艺复兴。而两宋向我们呈现的就是13世纪的中国文艺复兴的艺术盛宴，呈现了华夏艺术的登峰造极之境，而形成这种盛状的原因可以体现在以下几点。

1.1百业俱兴的经济环境促进艺术文化发展

首先，宋代处于中国历史长河中社会结构大变革的特殊的时期，土地制度的改革，带动了农业、手工业、商业的发展，手工业发达和商品流通带来的市场繁荣，极大的促进了工艺美术等艺术门类的兴旺与发展，推动了宋代文化生活的发展。

漆侠先生曾指出：“在两宋统治的三百年中，我国经济、文化的发展，居于世界的最前列，是当时最为先进、最为文明的国家。”两宋时期，经济发达，社会安定，都市繁荣，文人为政，印刷术的推广，知识的普及，使绘画成为时代风尚。人们在满足了对于衣食住行基本物质的需求基础上，开始进一步对精神需求与美的感受提出了新要求，精神文明会随着物质文明发展到新的高度。

1.2教育制度与政治环境造就艺术文化的蓬勃

其次，宋朝的建立与以往各代不同，未依靠武力，而是和平禅让。宋太祖杯酒释兵权，解除武将参与朝政的机会，实行文官统治。对外以钱物捐助换得珍贵的百年和平。这种崇文抑武的治国政策以及科举制的完善，极大提高了宋代士大夫阶级的地位，使宋代生活美学体现出不同以往的格调。士人的地位相对提升使士人阶级成为文化活动的领袖，文化事业的空前发达进而使文化品位提升。

此外，又有宋徽宗完备皇家画院制度，从提升画院规格着手，设翰林图画院直管，即北宋的最高艺术学府，并亲自主持画院工作，将画学纳入科举考试，亲临命题。因而这种政治环境与教育制度吸引了大量的画师人才，例如以崔白、李唐、刘松年等为代表。

1.3 雅事盛行的生活方式转变影响艺术文化

再次，宋代士人阶层生活方式的转变，在审美生活中带来了很多乐趣，宋代文人墨客的这些爱好和心理审美情趣的形成，直接影响了宋代生活美学思想的观念，为宋代生活美学核心主体的形成奠定了基础。

宋代市井文化作为宋文化的代表，虽生于民间却散发出自然、坦率、活泼、朴实的美感，进而迎合了大多数人的审美情趣。雅事盛行的生活环境致使宋代崇尚儒家风雅的审美精神也得到了发展。例如吴自牧在《梦梁录》中写道：“烧香点茶，挂画插花，四般闲事，不宜累家”。宋人的生活是充满着雅致的，简单质朴的生活也不缺乏满满的仪式感，宋人的生活总是在这些寻常作乐中体现出他们的高雅情趣。

1.4皇室贵族对于艺术文化活动赞助的热衷

最后，宋代皇室贵族与文人士大夫对于书画艺术的热爱与推崇，极大促进了书画艺术在全社会的传播与普及，皇室的直接赞助对当时的市场有着私人赞助活动所难以企及的影响力。以宋高宗为例，一方面，他的赞助在艺术文化领域起到了积极的引导作用；另一方面，他也通过对于艺术文化活动的赞助来同时巩固了自身尚未稳定的统治根基，可谓是一举两得的措施。

与此同时，由于皇室贵族对于艺术市场的赞助，在其影响下私人艺术赞助与公共艺术赞助也多了起来，这就使得艺术创作不受资金和意识形态的限制，使得艺术家把作品作为商品来赚取劳动成果的意识更加浓郁，淡化了独自赏玩的思想，使艺术品更加大众化、由此而形成了自由性的艺术市场，艺术也更加普及和平民化了。

2、古为今用——从“中国制造”向“中国智造”转变

种种原因共同铸造了两宋时期我国艺术文化的兴盛繁荣局面。如今，我国现代设计处在从“中国制造”向“中国智造”演变的局面，我们迎来的是一个以“消费异化”、“情感导向”及“非物质化”为主的时代。结束了四十年来对于西方设计的模仿借鉴为主的中国设计，开始转向寻找自我的设计新范式，在这一局面下，以古为鉴、古为今用地从传统哲学思想高度探究两宋造物精神，挖掘其物化与文化的双重价值，探索其蕴含的设计理念价值，并与现代设计结合是今日中国设计的必由之路，从两宋艺术美学思想中我们可以得到以下启示。

2.1“天人合一，物我同一”的生态设计观

“天人合一”的概念最早出现于《周易》，是古代思想家对人与自然关系的统一阐释，宋代思想受到“儒释道”等哲学体系的影响，但不管是儒释道哪一学派，都通过不同的思维方式推崇这一概念，即强调人与自然的和谐发展。“天人合一”的思想不仅是一种宇宙观、世界观、也是一种生态伦理观，它将天地人统一起来，其中蕴含的价值取向是追求人与自然的和谐。例如宋代玉雕《子母猫》，母猫为白色，六只子猫有黑、黄、玳瑁色等，器物工艺对于“巧色”的运用，就是根据玉材的不同色泽、纹理和形状，雕琢出各种自然物象。天人合一的理念不仅体现在器物的取材、功能上，还形成了社会上潜在的文化价值。

2.2“人为物本，物因人用”的以人为本设计观

“以人为本，物因人用”就是说解决和满足人的需求是造物的根本目的，物是为了满足人的需求而制造的。“人”既是造物活动的实践者，更是受用者，这一点在宋瓷中可以得到充分的反映。例如福建水吉一带的建窑，以釉色为黑、造型多为碗、盏等为代表，口大底小、成漏斗形，这种形状方便吃茶易干，且不留茶滓，同时，黑色的内釉方便斗茶的白沫检验。这些都证明宋代工匠对于人与物之间关系的重视，并且对人这一核心的认可。

2.3“技术革新、理性儒雅”创新的设计观

两宋的造物思想来源中国博大精深的传统哲学思想，是“儒释道”等哲学体系的物化结果，每件作品都蕴含着丰富的思辨原理。例如宋代漆器，器型式样多变，有盘、碗、盒、奁、画轴、扇柄等，用类型器物也有多种不同的式样，如盘就有圆形、方形、四角牡丹状等形式。此时在技法上又有了新的创造，如金漆中的戗金是其中一种，它是用特制的工具在漆面雕刻花纹后填以金粉。犀皮工艺也是宋代的新创造，它是一种斑纹漆器，用稠厚的色漆在胎上一层层涂抹，待干后进行打磨。此外，雕漆的发展也得到提升，其花纹精巧、器型美观，为明清漆器工艺奠定了基础。纵观宋代各地漆器，可以发现它们和宋瓷一样以造型取胜，多数装饰朴素，却表现出结构美、比例美、韵律美的特色。

综上所述，两宋艺术文化中蕴含了大量中国传统造物思想与哲学观念，我国的现代设计在对西方新兴技术重视的同时，也需要注重对于传统文化的继承发展，“活化”传统艺术文化。正如柳冠中教授而言：“中国方案应该是中国未来设计学的目标，真正的中国传统文化精神和可持续发展的设计逻辑应该先于高科技成为我们设计业最坚实的基础。”

从Apple Vision Pro管窥人机共生时代的来临

在 WWDC2023 大会的 One More Thing 环节，库克正式发布了第一款 MR 设备 Apple Vision Pro，即首款混合现实头显。宣布即将开启空间计算的新时代，本文将从时代背景、设计师、设计风格特点等论述Vision Pro 。

一、欢迎进入空间计算的时代

Mac 将我们带入个人计算时代，IPhone 将我们带入移动计算时代，而 Apple Vision Pro 最独特的价值在于将我们正式带入了空间计算时代。

苹果 MR 头显被命名为 "Apple Vision Pro"，这代表着开创了一类崭新的计算设备时代，能够将数字内容融入真实世界，并增强现实。用户用手势、眼睛或者语音就可操作控制这台集VR、AR为一体的机器，它呈现的世界既可以是封闭虚拟的沉浸现实、又可以是看得到外部世界的增强现实，而且不需要iPhone或者Mac的辅助，可以独立运行系统Vision OS和专门的App，是当下人机交互正逐步进入一个新时代的代表产品———即空间计算的新时代。

二、“至繁归于至简”的设计风格继承

Apple Vision Pro是由苹果公司的人机界面设计副总裁艾伦戴伊领导团队设计，贯彻了苹果以往以来的设计风格，即“至繁归于至简”，如包豪斯式的简约与实用设计，忠实于产品的功能和本性，同时科技感十足。因此头显整体整合概括为滑雪镜式的外观，配备了一块每一度视角所含约40个像素量的Micro OLED屏幕和铝制框架，大气稳重、充满未来感。同时，它还配备了十二个摄像头、五个传感器和六个麦克风，以及一台冷却风扇，配有外置电池和新的磁力充电器。在此之上，耳机面罩和表带采用布衬和模块化设计，以适应各种脸型和头型。体现出设计追随简约、同时具有表现精神的苹果设计理念。

三、新模态范式的塑造——回归用户自然交互

每个 Apple 平台都有自己的创新互动模式，Mac 有鼠标，ipod 有 click wheel, iphone 有多点触控，而到了 Apple Vision Pro, 苹果立志探索一种绝对直观的空间计算互动模式，无需借助任何控制器或外接设备，完全只用眼睛、双手和语音就够了。

只要动动眼睛，app 图标就会微微显现，在你看向界面的时候，每个元素都在生动的回应你的目光。捏合双指就可以选择，手掌轻轻上佛就可以滚动。手可以自由的放在腿上或沙发上，从而减少了用户裸手操作中产生的疲劳感。极简的手势操作，降低了用户上手学习成本。当看向搜索栏时，就可以直接触发语音交互，语音打字快捷高效，一改传统 XR 设备通过虚拟键盘进行文本输入的低效操作。除此之外，用户还能用 Siri 就能快速打开和关闭 app, 播放媒体文件等。以上种种，都是新模态交互范式的塑造，结合了裸手、动眼、语音的交互方式，回归了用户的自然交互。

四、设计的机遇与挑战——人机共生时代

总的来说，Vision Pro 的发布也算是给整个行业带来了一盏指明灯，那接下来，我们该如何应对其挑战，从交互设计方面来说值得探讨与研究的问题是：未来空间的界面和交互如何来适应我们的双手？如何达到更加符合操作直觉性以及空间实体感的 XR 体验？这些都是设计作为一门最终目是服务于人的学科所需要解决的。

设计应当通过了解人机共生的市场，了解空间计算的定义与作用空间计算所涉及的关键技术包括深度学习、计算机视觉、立体声音等，同时与理工技术新学科的通力合作，构建满足消费者情感价值导向为需求和符合操作自觉性的XR体验。在这一设计对象不再局限于实体物品，产品范畴和边界不断扩展，从物质到非物质，从实体到虚拟的时代，从单一功能的关注拓展到基于用户体验和可持续发展的多元维度，是新的机遇与挑战下的设计的新任务。

综上所述 ，对VR/AR产业来说，Vision Pro无疑给低迷的产业上下游打入一剂强心针。可以说是现有技术水平下VR/AR产品完成度的极限，为行业企业设定了产品新范式并带来信心，它对于设计美学与创新技术的结合、对于用户界面所考虑的简单性与效率性，都重新了定义人们的工作、娱乐和社交方式。

设计和消费是当今社会的两大主题。自工业革命诞生以来，设计就与消费息息相关，正如鲍德里亚所说：“今日的社会使人们不再活在一个充满人情味的世界，而是拥挤在一个物性的世界。”如今与人们关系最为密切的不是人本身，而是人造物、是商品。今时今日，该如何审视判断设计与消费的关系呢？是设计引导人们消费吗？还是消费的趋势牵引着设计的坐标？下文将对此展开论述。

一、设计满足消费、引导消费并创造消费的动力

消费是一切设计的动力与归宿。设计是为消费者服务，设计的最终目的是为人服务，因而设计由消费主导，并且需要满足消费者需求，具有前瞻性与未来性的同时面对市场具有完整的决策与准确的定位。设计也能够唤起隐性的消费欲，使之成为显性。如美国第一代工业设计大师、美国工业设计之父雷蒙德洛维为希尔斯公司设计的冰点电冰箱，在核心功能不变的情况下，罗维将冰箱顶部重新设计为流线型造型，底部增加了储物抽屉，更换冰箱门闩材料为更有质感的轻触式开关。这样的更新设计使冰点电冰箱从每年65000台销售额上升到了25000台，此设计不仅提升了冰箱外观，且降低了制造成本，罗维也因此在产品设计领域名声鹊起。

二、消费是设计的消费

设计是物的创造，消费者消费的是物质化了的设计，实际上就是参与设计的人员的共同成果。因此消费者付出的商品价格是包含设计的整个环节的价格，除了产品本身材料的成本以外，还包括了产品设计、广告设计、包装设计、展示设计等等，这些种种设计成本最后都会包含在商品价格之中，由此可见，消费者的每一项消费活动都包含了多种形式的设计。

三、设计与消费的关系本质是设计与生活方式的选择

一方面，设计改变了物的使用方式，从而改变了生活方式。另一方面，设计提供了象征价值与符号性，它彰显了人们的独特爱好、价值选择、社会地位的特殊性等等。因此，设计与消费的关系实质上是设计与生活方式的关系，例如宜家，对比其它的家具售卖中心来说，宜家提供了多种多样、个性丰富的家具陈列展示样板间，为消费者提供了多样的选择，人们可以进入自己中意的样本间进行体验，并根据宜家设计师给出的搭配进行选择购买，各种家具又可以单独选择更换色彩，从而最终得到一个属于自己的设计风格。宜家提供了不仅仅是一个物的设计，而是一种生活方式的选择，它满足了消费者个性需求，并给予了消费者情感需求。

综上所述，设计是一种创造性的工作，是建立在以市场需求为导向的前提上，是以满足消费者需求为核心基础上。设计的最终目的是消费，而消费则会引起新的设计，因此，设计与消费息息相关，不可分离。

有关设计形式与功能的书面记载讨论最早可以追溯到春秋战国时期，无论是墨子提出先实用后审美，还是《周易》中道器统一的思想，即强调物质形态的重要性，或是孔子主张“文质彬彬”、形式与功能统一。我们可以发现古往今来的设计对于形式与功能两者之间关系存在着各种解释，而伴随着社会背景与生产方式的不同，这些形式与功能之间的理解又存在着或多或少的联系与区别，下文我将对设计形式与功能的理解展开论述。

一、形式与功能的辩证关系

设计对象的形式起着非常重要的效果，它吸引了人们对设计对象外在表现的注意，满足了审美需求与心理需求、体现了设计作为一门美学的责任，为人造物赋予了审美特性。另一方面，功能则是一个完全不同的术语，它关注的是事物运作的方式、设计的实用效果范围，以及设计的示能性或可能性范围，比实用性、直观性、耐久性等。同时，设计形式与功能相互影响、密不可分，并伴随着不同时期又呈现出不同的特点。路易斯沙利文提出“形式追随功能”，是现代主义的核心思想之一，为大火后的芝加哥城市快速重建住宅提供了范本，并奠定了三段式建筑的雏形。随着后现代主义的发展，另一位美国建筑师罗伯特文丘里却提出“形式产生功能”的概念，以强调建筑的复杂性和矛盾性，奠定了建筑设计上的后现代主义基础。而师从沙利文的现代主义大师之一弗兰克莱特认为功能与形式是一体的，在古根海姆博物馆的设计中，参观者乘电梯到山顶，然后悠闲地沿着巨大的螺旋形漫步，欣赏展品，该功能在建筑物的外部形式中很明显。法尔希德·穆萨维对功能和形式之间的历史关系提出了挑衅性的批评，以揭示现代主义核心的矛盾。她认为，设计需要摆脱功能的效用定义，形式不仅应考虑建筑物的生产方式，还应考虑其感官表现。

二、形式与功能相互协调

伴随着新技术、新材料的发展，设计的形式与功能之间的关系更进一步增强，设计师能够更新和修改设计形式从而使它更适合所需功能。因而设计产品实际上传达了大于功能的意义，无论它的形式是刻意的或是非刻意的。将功能与形式的关系合并为一个方法并通过设计手段进行进行表达，以便观察者将形式与功能的关系解释为设计创作本身的表达，从而使设计师能够自由选择功能形式之间的关系，以此实现美善相乐，文质彬彬的装饰与功能和谐统一的设计观。斯特拉姆斯出任设计总监时期的博朗公司产品就体现了设计的形式与功能之间相得益彰，无论是“白雪公主的棺材”之称的sk-4收音机还是D系列幻灯片投影仪等都贯彻了他关于好设计的十大原则，对于设计的功能即诚实性、易懂性、耐久及直观性等的注重，再与形式合为一体的视觉语言共同构成了完整的系统。尤其体现在606系列家具产品的设计，它不需要在规划摆放方面像其它家具那样对于空间尺寸有着苛刻的要求，并且能起到整合组织空间与功能的作用，根据不同场合使用的需求设计不同的模块，从十九世纪六十年代至今仍在销售，并伴随着时代的变化不断完善和拓展这套系统理念，以此来适应现代人们的新需求，因此它可以称为是一件超越时代的作品，同时也是以人为本，从实际体验出发的创新设计，反映了形式与功能的协调。

三、新语境下的形式与功能再审视——可持续设计探究

当下，设计的语境已经悄然发生了转变，从物到非物的设计、有形向无形、实用需求到精神需求，我们已经迎来了一个以“精神需求”、“消费异化”以及“非物质化”为主导的当代设计。IT时代迈向DT时代，形式从因功能而塑造中摆脱，不再受到功能的约束，但伴随着设计为人类创造了便捷、理想生活方式的同时，也去了资源的消耗、地球生态系统遭受到强烈的破坏，可持续发展与可持续设计理念的出现也是必然之势，这就要求我们站在新语境下，对于设计形式与功能的再审视与反思。作为一门最终目的是服务于人的交叉学科，设计所需要考虑到的是整个人类社会发展，设计师需要具备前瞻性与未来性的视野，正如帕帕纳克在《为真实的世界而设计》中所提到的三大原则、新语境下的设计形式与功能应当在和谐统一的基础上，崇尚自然，讲求天人合一的人与自然和谐观，为地球的有限资源考虑。作为本土设计师，我们应该以古为鉴、推陈出新，探究优秀造物思想，并从哲学的思想高度认知，寻找可持续设计的启迪，以此不断夯实可持续设计理论与实践基础，在对形式与功能的在审视下探究可持续设计发展。

综上所述，设计师需要以一种既具审美又兼具实用目的方式来进行设计，而不是沉迷于美学价值而忽视功能性原则的奢侈形式，或者是为了提高功能而盲目追求形式的成本。无论是沙利文的形式追随功能，还是文丘里的形式产生功能理论，都意在能将设计中的形式与功能最大化的呈现。因而作为设计师的我们，应当在设计前期步骤中认真考虑设计所要传达的理念，对于形式与功能合理规划，从而设计出优秀的作品。