美国商业性设计是20世纪40-50年代一个颇具影响力的设计流派，由于工业设计．作为一种社会上公认的职业起源于美国，它是20世纪～30年代激烈商品竞争的产物，因而一开始就带有浓厚的商业气息，而美国也因此成为了该流派的典型代表。而它的发展经历了四个时期，分别是工艺美术运动时期，装饰艺术运动、美国第一代职业化设计师以及丰豁社会与优良设计时期。
首先在工艺美术运动时期，在欧洲还在为艺术与技术、伦理与美学以及装饰与功能的关系而困惑的时候，美国建筑界却兴起了一个重要的流派—其加哥学派，这个学派明确了功能与形式的主从关系，力图摆脱折衷主义的羁绊，使之待合新时代的工业化精神．其中代表人物路易斯•沙利文提出的"形式追随功能"的口号，成为了现代设计运动最有影响力的信条之一。
再发展到装饰运动时期，巴黎的豪华与奢侈，将现代主义严格的形式感与对豪华的、时髦的向往相结合，以其富丽和新奇的现代感而著称，而这直接影响美国好莱坞风格的诞生，这都源于经济危机后人们让电影成为心灵慰籍从而引发了对电影院大胆幻想和装饰的设计。而经济危机后，美国的流线型风格也成为了当时的流行风格，他体现的外在的"样式设计"，反映了两次世界大战期间美国人对设计的态度，即把产品的外观造型作为促进销售的重要手段。
随着美国工业的发展，第一代职业化设计师出现，更推动了美国商业化设计的发展，美国的商业性设计核心便是由厄尔提出来的有计划的商品废止制即有计划的通过人为的方式使产品在较短的时间内失效，从而迫便消费者不断购买新产品，分别采用"功能型废止"、"合意型废止""质量型废止"。
最后发展到了优良设计设计时期，是由于人们开始反思商业化设计，并开始抵制商业化设计，主张不应在任何物品上武断地使用装饰，而应便这些东再真正看上去像它们自己，例如沃森的亚麻布灯罩台灯，伊姆斯的伊姆斯餐椅。
综上，美国的设计从芝加哥学派的"形式追随功能"走向装饰性运动时期的"形式追随市场"，经历了消费市场与主要受众的转变，达到了消费市场的扩大与发展工业设计的职业化的目的，后商业化设计的发展引起了人们的反思，让美国进入了多元化发展时期。

斯堪的纳维亚风格中的有机现代主义思想、功能主义原则和兼容并素的特点均对现代产品设计产生了深远的影响。
两次世界大战之间，地处北欧的斯堪的纳维亚国家分别是瑞典、丹麦、芬兰、挪威、冰岛在设计领城中山崛起，并取得了令世人瞩目的成就，形成了影响十分广泛的斯堪的那维亚风格，斯堪的那维亚风格与艺术装饰风格、流线性风格等追求时髦和商业价值的形式主义不同，它不是一种流行的时尚，而是以特定文化背景为基础的设计态度的一贯体现。这些国家的具体条件不尽相同，因而在设计上也有所差异，形成了"瑞典设计风格""丹表现代风格"流派。但总体来说，斯堪的纳维亚的风格有着强烈的其性，它体现了斯堪的纳维亚国家多样性的文化、政治、语言、传统的融合，以及对于形式和装饰的克制，对于传统的尊重，在形式与功能上的一致和对自然材料的欣赏等，例如瑞典宜家的家居设计、丹麦著名设计师的汉宁森 PH 灯、雅格布森的“蚁椅”、“天鹅椅”、“蛋椅”等。
而现代产品设计是适应于工业化社会的条件，要求以人为本，因此具有鲜明理性主义和个人色彩。它的特点对现代产品设计影响，其一，在于富有传承的思想。无论外界设计风格如何的风起云涌，斯堪的纳维亚设计一直坚持着自己贴近自然、淳朴的设计风格，没有盲目跟风，保持自己的传统。其二，具有功能主义特性的设计。很强的外形美感与强大的功能性结合，功能性是最重要的设计元素，旨在设计出好用、易用的产象，坚持一切设计都着以人为本的设计原则。其三，具有兼容并蓄的设计。通过学习和利用国外优秀设计而吸收利用，再转化成自己的东西，最后在借鉴的基础上设计出新的款式与产品，如丹麦家具大师汉斯·瓦格纳的 Y - chair灵感来源于明式家具，但又在装饰、形态及材料加以改良，比明式家具要更具实用性和功能性，达到了意象上的抽象美与功能上的人机结合。
斯堪的纳维亚设计风格的形成不是追求外界的某种风格，而是以自己强大的精神文化思想作为后盾，在设计的过程中自然而然地形成的。因为斯堪的纳维亚设计风格的内在合理性：简洁、功能、美观、环保，充满人情味，使其风靡世界。而其中的一些"人性化设计"是也现代设计潮流的一种重要的趋势，正如现在所倡导的通用设计、绿色设计等其实都是富有人性化的设计，而这些充满了对人性的关爱，都是设计师应该学习的。

宜家是全世界最大的家具零售企业，是令瑞典当代设计在国际上名声大噪的最有力的推手，它于1943年由坎普拉德所创立，它的标志的配色采用的是瑞典的国旗配色。宜家家居在全球多个国家拥有分店，贩售平整式包装的家具、配件、浴室和厨房用品等商品，它不仅销售价格优惠、经济适用，还向人们展示了“设计是一种生活方式”的设计哲学。宜家认为好的设计是美观、实用的可持续、优质和低价这五个元素的完美结合。
设计特点：1.宜家的设计很有特色，它的各种商品均以富有现代感、设计新颖而著称 2.大部分家具都设计成拼装式的，由消费者购买后利用宜家提供的工具自行安装。 3.一方面这样的设计，便于批量生产和包装，在制造、包装、运送，储存方面大大降低了成本，从而可以让价格更加低廉实惠。另一方便这种自己动手的过程，也完全打破了家具行业的常规，让使用者和产品之间的关系更加密切。
经营理念：1.追求平⺠⻛格与大众家居2.⺠主设计：宜家的⺠主设计来源于其一贯的信念—每一个人都拥有让自己的日常生活变得更好的权利。3.把自己的顾客变成合作伙伴，顾客自己动手、自己运输、自己组装来换取更低的价格。4.坚持不上市，不被资本裹挟。5.让卖场和餐厅高度融合。
综上，宜家是瑞典设计的典型代表和成功案例，它将现代主义思想与传统设计文化相结合，既强调了实用功能，又强调了人文因素，赋予了产品一些人情味。

第一段：陈述德国与日本设计的异同（简单概括）
第二段：德国与日本设计的共同之处
第三段：德国与日本设计的不同之处
第四段：总结升华
日本和德国虽然一个处在亚洲，一个处在欧洲，设计的发展时间也不相同，设计风格上一个注重本土文化了以及双轨制的经济发展模式，而另一个却注重理性、人机工学，但他们还是有共同之处的，他们都是经过了学习模仿之后进行分析后再设计与探索的。
日本设计与德国设计的共同之处：
在设计理念上，由于德国和日本的地理位置，导致他们都属于资源匮乏的国家，很多资源都依靠进口，只能依靠技术出口来维持整个国家的运转，便使得他们的设计都偏理性严谨，格外注重简约和功能。在发展方式上，他们都善于先追随模仿其它国家的设计，再根据本国国情发展设计。日本首先从唐朝开始并吸收中国的文化，将"禅"的思想贯彻到设计之中，又全盘接收了欧洲的设计成果，但又注意了扬长避短，在学习德国设计思想和教育体系后结合自己的本土思想，逐渐建立了自己的工业特色；而德国在当时的工业水平落后于英国、美国的情况之下，驻伦敦的德国官员穆特修斯学习英国建筑以及了解手工艺及工业设计方面的进展，将实用主义引入德国，为德意志制造联盟作出了巨大的贡献，而德意志制造联盟正是德国设计的开端。德意志制造联盟首创了工业设计的活跃局面,奠定了德国工业设计的发展基础,确立了工业设计的基本理念，同时也影响和培养出了后来在现代主义中起到了要作用的格罗皮乌斯、密斯、柯布⻄耶等著名设计师。
日本设计与德国设计的不同之处：
日本注重本土文化，在学习了他国思想的基础上，结合实际在处理传统与现代的关系中采用了"双轨制"，一方面在高技术的设计领域按现代经济发展需求设计，一方面保持传统风格的延续，就是这种传统美学观念的影响，让日本设计小型化、多功能及对细节的关注，同时也更偏向于自然元素与材料，例如，日本一代工业设计师柳宗理所设计的"蝴蝶"凳，它便人想到了传统日本建筑的优美形态，对木纹的强调也反映了日本传统对自然材料的偏爱。而德国早早创造出适合标准化，大批量生产的现代设计形式，从德国工业同盟到包豪斯再到乌尔姆设计学院，德国的工业设计一直是具有理性特点的，坚持理性、科学、技术，并且将理性原则，人体工学原则、功能源则看作他们的设计宗旨，不能因为商业原因而放弃，坚持"形式追随功能"，把理性发挥到极致。就对比日本和德国的菜刀设计，日本菜刀没有采用人机工学，刀柄笔直但为可替换的木质材料，给予人们使用的更多的可能性；而德国菜刀十分严谨，刀身刀柄为一体式钢材，刀柄采用人体工学拥有了曲线设计，让人使用起来更加舒服，但却固定了使用的情况与环境，具有必然性。
综上、无论是日本的设计还是德国的设计，都是从先模仿再融合而发展起来，即便有相同点，但依旧拥有自己独特的风格，然而无论是日本还是德国，他们的设计都在一定程度上给国家的重建和经济上带来了重大的推动作用．对其他各国以及后来的工业设计的发展都起到了借鉴意义。在文化中，我们要做到取其精华，去其糟粕，天下大同，美美与共，这样才能走出自己的创新发展道路。

"无名性设计是指具有"无名性"的设计特征，在设计的多元化浪潮中，以设计科学为基础的理性主站着主导地位，它强调设计是一项集体的活动，强调对设计过程的理性分析，而不追求任何表面的个人风格因而体现出一种"无名性"的设计特征。（是什么）这种设计观念实际上是现代主义的延续和发展，它试图为设计确定一种科学的，系统的理论，即所谓用设计科学作为基础来指导设计，减少设计中的主观意识。后来，随着技术越来越复杂，要求设计越来越专业化，产品的设计师往往不是一个人，而是由多学科专家组成的设计团队，国际上的大公司大多也建立了自己的设计部门，设计一般都是按一定程序以集体合作的形式完成的，这样就难以体现个人风格了。同时"无名性"设计还有强调产品的质量和生产工艺；外观细节减少到最低限度；适于运用到批量生产的物品之上等特征（特征）20世纪60年代以来，以“无名性”为特征的理性主义为国际上的一些引导潮流的大设计集团采用，如荷兰的飞利浦公司、日本的索尼公司、德国的博朗公司等，还有个极端的例子便是“无印良品”。（代表）“无名性”设计在很大程度上代表着工业设计的主流，其影响一直延续至今。

总起：分别简单介绍德国和日本的设计背景和发展
分论：相同点和不同点
总结：综上谈意义
德国早在20世纪初早早接受工业化生产这一现实，创造出适合标准化、大批量生产的现代设计形式，还最早开始开展现代设计教育，从德国德国工业同盟到包豪斯再到乌尔姆设计学院，德国经历了两次损失惨重的世界大战和二战后分裂局面，受战争影响，包豪斯设计学校仅存14年，后来乌尔姆设计学院也关闭了，许多设计师流亡国外。但德国的设计却一直朝着理性主义的方向发展，不断完善他们的设计思想。但因为过于理性，也被人们认为多了几分机械化冷漠感。
日本设计风格的形成一方面来源于自己的东方文化传统，一方面受西方文化的影响，出现了传统手工艺品和批量化生产现代工业产品两种截然不同的东西。二战前日本民用工业和工业设计并不发达，没有建立自己的工业特色。后来将包豪斯设计思想和教育体系带回日本。二战后，日本经历了恢复、成长、发展三个阶段后，注重了科学技术，后形成了自己的简洁设计风格。
相同点：两者都将全部的精力投入工业生产之中，并发展了一种强调机械效率的工业设计的风格，并把生产重点放在了产品技术上。
不同点：德国的工业设计适于二战前，德国工业同盟就是德国工业设计的开端；日本设计行业真正发展起来是在1960年之后，实行传统与技术并行的双轨制才真正推动了日本设计行业的发展。德国工业设计一直具有理性的特点，坚持理性的、科学的、技术的，并且将理性原则、人体工学原则、功能原则看作他们的设计宗旨，不能因为商业原因而放弃，同时他们的设计几乎完全摒弃了传统的装饰，而从造型和功能上获得美感；日本的设计遵循的是传统与现代技术并行的双轨制，他们的设计思想还受到传统美学的影响，让他们的产品一直以小巧、精致、多功能、重细节等著称。
综上，日本的设计从开始追随模仿德国设计，再融合自己民族独特传统文化，而形成了与众不同的日本风格，然而无论是德国理性的设计还是日本多功能人性化的设计，都为自己的国家奠定了独特的设计风格基础，对其他各国以及后来工业设计的发展都起到了借鉴的意义。

芝加哥学派是19世纪七十年代在欧洲新艺术传入美国之前在美国建筑界出现的一个重要设计流派（是什么）。大火重建工作让芝加哥的建筑师们逐渐形成了趋向简洁独创的风格，芝加哥学派由此而生。（背景）芝加哥学派包括了众多设计师，他们建筑的共同特点是注重内部功能，大胆采用新材料；强调结构的逻辑表现；立面简洁、明确；采用整洁排列的大片玻璃窗，突破传统建筑的沉闷之感；形式服从功能。（特征）其中，路易斯•沙利文是芝加哥学派的中坚人物和理论家，是美国现代建筑的奠基人，代表作是施莱辛格-马耶百货公司大厦和信托银行大厦；弗兰克莱特师承沙利文，被誉为美国本土建筑的开创者，代表作是流水别墅。（代表人物/代表作）芝加哥学派对现代设计产生了深刻的影响，其具体影响如下：1、建筑材料上，大胆采用新材料。特别是钢筋混凝土等新材料的采用，为现代建筑工业化材料提供有力借鉴。2、在建筑形式上，采用钢架结构的高层建筑形式。这是高层建筑的基础，也直接影响到了现代城市建筑的建设，高层式的建筑也可以成为现如今城市的标志性地标建筑。3、在建筑理念上，追求了“形式服从功能”，这成为了现代设计运动最有影响力的信条之一，这明确了功能与形式的主从关系，力图摆脱折衷主义的羁绊，使之符合新时代工业化精神，在设计史上占有了重要的地位。4、在建筑造型上，创造了“芝加哥之窗”，即整开大玻璃以形成立面简洁的风格，在工程技术上的重要贡献是创造了高层金属框架结构和箱形基础。综上，作为最早解决高层建筑设计的芝加哥学派，为后面树立了高层建筑的基本样式，设计艺术理念上谋求艺术技术社会等方面的有机结合，给现代建筑奠定了理论和实践基础。芝加哥学派不仅在建筑上对现代有借鉴价值，同时也启示了要实事求是、大胆创新。（贡献意义）

芝加哥学派是19世纪70年代，芝加哥出现的一个主要从事高层商业建筑的建筑师群体，就被称为"芝加哥学派”。这都源于欧洲的设计师在为设计中的艺术与技术、理论与美学以及装饰与动能的关系而困惑的时候，"水晶宫”博览会上因为简洁明了的造型、朴素实用的产品让设计师受到鼓舞，而后的芝加哥大火，更让设计师们大显身手，开始在建筑领域运用钢铁等新材料和高层框架等新技术。(时间、地点，背景)这些设计师们在建筑开始注重内部功能，大胆采用新材料；强调结构的逻辑表现;立面简洁、明确；形式服从功能，同时采用整齐排列的大片玻璃窗，突破了传统建筑的沉闷之感。(特征)以路易斯·沙利文和莱特为代表，他们分别设计了施莱辛格一一马耶百货公司大厦、信托银行大厦以及流水别墅、古根海姆美术馆。（代表人物)作为最早解决高层办公建筑设计的芝加哥学派，树立了高层建筑早期造型的基本风格，大胆采用新材料和钢架结构，追求"形式服从功能”、创造"芝加哥窗”，不仅如此，它在设计理念上谋求艺术与技术的有机结合，给后面的现代主义建筑奠定了理论和实践基础。（贡献、影响）

装饰艺术运动发生于20世纪20年代到30年代，它发源于法国，并主要在法国、美国和英国等国家持续进行。这场运动和现代主义运动几乎同时发生，影响到建筑、平面、室内、家具、工业、雕塑、绘画、纺织以及服装等各个方面。 “装饰艺术”运动，影响了几乎所有的设计领域：包括纯艺术、装饰艺术、时装、电影、摄影、平面设计、交通工具和工业产品的设计等，成为一种几乎无处不在的现代风格。装饰艺术运动主要集中于豪华和奢侈的产品与艺术品的设计上，它服务于社会上层，是一次风格特殊的形式主义设计运动，同时也是一场承上启下、具有国际性的设计运动。“装饰艺术”运动在思想与形式上，是对“新艺术”运动的矫饰的反动，它反对古典主义、自然（特别是有机形态）、单纯手工艺趋向，主张机械化的美，更具有积极的时代意义。 
影响装饰艺术运动风格的重要因素有：①古代埃及装饰风格② 原始艺术和异域风格 ③ 前卫艺术 ④ 古典艺术 ⑤ 新艺术运动 ⑥ 舞台艺术 ⑦ 汽车设计 ⑧ 大型国际展览。从而导致它拥有几何外形、装饰性、独特色彩、华贵奢靡的风格特点，让它的服务对象指向社会的上层、少数的权贵阶级而不是大众。
装饰主义运动最主要的影响在于，“装饰艺术”运动兴起于20世纪20年代至30年代，是一场影响领域相关广泛的设计运动。影响到建筑设计、室内设计、家具设计、工业产品设计、平面设计和服装设计等几乎设计的各个方面，是20世纪非常重要的一次设计运动。“装饰艺术”运动是一场国际性设计运动，不少欧美国家都参与其中，尤以法国、英国和美国的设计运动较具代表性，更是促进了流线型运动的发展。它甚至还影响到欧美以外的一些国家，在拉丁美洲、澳大利亚、中国的上海都有过相当大的影响，出现了一批非常精彩的建筑物。“装饰艺术”运动是一场承上启下的运动，它既对“工艺美术”运动、“新艺术”运动的自然装饰、中世纪复古表示反对，也对单调的工业化风格加以批评。因此，虽然在强调装饰上与前两个运动有相似之处，但是从承认工业化的角度来看，已很难说是它们的延续了。然而，又由于强调装饰化，因此与同期开始在德国发动的现代主义设计运动也有很大的区别。它是“新艺术”运动和现代主义设计运动之间的一个衔接，双方的特征都兼而有之，但却不是简单地重复或再现。“装饰艺术”运动在装饰和设计手法上为我们提供了大量可资参考的重要资料，从材料的运用到装饰的构思，再到产品的表面处理技术，无论哪一个方面，都有不少可以借鉴和学习的地方。从形式上看，装饰艺术运动的风格与80年代的后现代主义风格有千丝万缕的联系，从意识形态的层面来说也有类似的地方。但是装饰艺术运动有具有局限性，这个运动与现代主义设计运动几乎是同时发生。因而，在各个方面都受到现代主义设计运动的明显影响。但是，由于它主要强调为上层顾客服务的出发点，所以“装饰艺术”运动没有能够在第二次世界大战之后再次得到发展，而现代主义设计运动则成为真正的世界性设计运动。
总而言之，装饰艺术运动是一场承上启下的运动，即反对中世纪复古、自然装饰，又批评了单调的工业化风格。同时兼具了二者的特征，但却不是简单的重复和再现，所以这场运动被认为是装饰主义到现代主义的一场衔接性运动。

未来主义对资本主义未来主义是第一次世界大战之前首先出现于意大利的一个文学艺术思想流派。它对资本主义的物质文明大加赞赏，对未来充满希望。未来主义否定传统的艺术规律，宣称要创造一种全新的未来艺术，并提出把机器和工业作为现代艺术偶像和主题。代表作是勒加与20世纪20年代所作的一幅画《机械的要素》和德普罗20世纪30年代所作的《钢与透平》。20世纪的其他文化思潮，包括艺术装饰、漩涡主义画派、构成主义和超现实主义，都收到了未来主义影响。未来主义的理念和元素广泛传播于当年的社会生活，奠定了他被现代设计引用的基础。顺应时代的潮流是艺术运动能够延续和发展的主要原因之一，未来主义的主张和强烈的特点以及创作风格在各个领域都产生了很大的影响，包括建筑、绘画和音乐等领域。它能够抓住时代的脉搏，凭借自身的优势结合社会需求，拥有鲜明主张的艺术运动。并且为后续的运动提供了风格借鉴和经验。未来主义在意大利发源并不断壮大，之后在建筑、音乐、绘画等方面在世界各地开始蔓延开来。其中在苏联主要表现在建筑上，苏联设计师结合当时的政治背景设计并建造了许多经典的建筑，如为了1980年莫斯科而建造修建的圆环形建筑楼房，整栋楼就是一个圆环，圆环楼中间设有散步和停车的地方，还有足球场；还有在俄罗斯圣彼得堡的国家机器人研究院，整个形状更像是一朵盛开的郁金香，所以被当地人称为“白色郁金香”。这些建筑都用夸张奇特的外形来给建筑带来不一样的外形和灵魂，从建筑的外在可以看到创作者通过建筑表达了对于未来主义的理解。
未来设计给了我们当代设计很好的借鉴，当下无论是服饰还是平常使用的产品，有一种比较流行的一种风格叫“复古未来主义”，受到越来越多的追求个性的年轻人的追捧，以19～20世纪流行的风格为原型，在这种风格的基础上大胆地运用金属、运动等元素，并将这些元素有机地与产品相结合。例如2019年迪奥的一场春季服装发布会上，设计师将灯光与服装结合，在舞台上随着模特的行走，衣服发出光亮并带有一束光线，极具运动感。在一些生活中的产品上也可以看到具有速度感的凌厉线条或者装饰，将产品引领到一个新的高度。未来设计师将不断地将未来主义的灵魂注入到产品中去。机器对于未来主义而言是一种象征，一个缘由，它将高速运动这一主题引入到绘画、建筑、音乐等领域，从而形成了与立体主义相平行的艺术派别，同时对后续的艺术派别产生了很大的影响。未来主义的美学倡导和工业革命有机地结合在一起，自其诞生以来就对全社会的审美倾向和艺术思维的产生提供了非常大的灵感和借鉴。
而今天工业设计在科技和工业越发强大的今天，将更好地发挥未来主义的美学概念，将其与设计更好地结合起来，为我们未来的设计奠定基础，而我们未来的设计它应该是数字化和智能化：随着物联网技术和人工智能技术的发展，越来越多的产品将具备数字化和智能化的功能，提高产品的智能化水平和用户体验；可持续和环保的：未来产品设计将更加注重可持续性和环保性，减少对环境的负面影响，通过循环经济等方式实现资源的合理利用；个性化和定制化的：未来产品设计将更加注重个性化和定制化，通过用户需求的深入了解和数据分析，为用户提供更加符合其需求的产品，以人为本；跨界融合和创新的：未来产品设计将更加注重跨界融合和创新，通过将不同领域的技术和设计进行结合和创新，提高产品的附加值和竞争力；可视化和交互性：未来产品设计将更加注重可视化和交互性，通过视觉和交互设计提高用户的体验和使用感受；多功能和模块化：未来产品设计将更加注重多功能和模块化，通过模块化设计提高产品的可维护性和升级性，增加产品的附加值和使用寿命。当代的设计以及在向这些方面积极探索并努力实现。
任何时期的运动思潮都是人们思维的碰撞，无论成功失败，都为后面的未来的设计打好了基础，为其提供了借鉴。

1914年同盟在科隆举办工业艺术和建筑展览会，在此次展览会上，同盟内部发生了现代设计与传统手工艺在理论上的最后一次交锋——科隆论战；当时工作同盟主张把艺术、工业、手工艺结合起来，将机械作为20世纪的目标，展出作品，宣扬自己的主张。科隆论战的焦点在于：威尔德认为设计应该是艺术家不受任何拘束的自由发挥过程。穆特修斯则认为现代设计应该是个科学过程，一个技术过程，一个可以量化的过程，因此必须采用标准化作为设计活动的指导中心。在这场争议中，绝大部分新生代的设计家、建筑家，比如格罗皮乌斯、密斯等，以及类似贝伦斯这样的大师都支持移特修斯强调标准化、批量化的立场，穆特修斯在这场争论中取得胜利在一定程度上明确了机器工业时代设计师的作用以及应该遵循的原则，为现代设计的发展在理论上铺平了道路。
穆特修斯的胜出向我们证明了，只有标准化的确立才能实现“为大众服务”的理想，标准化也更加符合当时的国情以及社会需要，放在现在我们依旧需要标准化，这样更能满足人们的生活需求，提高生活效率。但是之后的一系列工业化进程迫使许多传统手工艺流失，使原本丰富多彩的设计变得单一化。