（1）联系：“装饰艺术”运动时20世纪二三十年代在法国、英国和美国兴起的一次设计运动，“装饰艺术”运动的名称出自1925年在巴黎举办的“国际装饰艺术与现代工业展览会”。这次装饰运动首先表现在法国的奢侈品上，随后波及到建筑装饰 、室内设计、陶瓷、玻璃、家具、产品造型、平面设计等领域。主要目的是追求产品的华美。“装饰”是这次设计运动的性质，也是一场形式主义的运动。装饰艺术运动的风格特征：1、几何风格；2、追求华美；3、主张机械形式美；4、带有装饰性。
后现代主义是20世纪60年代首先发生在欧美、日等国家，随后传遍世界各地，后现代主义是一种文化思潮，它涉及艺术、设计、文学、语言、历史、政治、伦理、哲学等观念形态诸多领域。后现代主义在设计中的表现特征为：1、反对设计形式单一化，主张设计形式多样化；2、反理性主义，关注人性；3、注重产品的人文含义和历史折中风格；4、隐喻；5、关注环境。
（2）二者的区别：“装饰艺术”运动融汇手工艺和工业化下的双重特点，采取设计上的折衷主义立场，设法把豪华奢侈的手工艺制作和代表未来的工业化特征合二为一，产生一种可以发展的新风格来。由于它主要强调为上层顾客服务的出发点，使得他没有能够在第二次世界大战后得到发展。
“装饰艺术”运动秉承了以法国为中心的欧美国家长期以来的设计传统立场：为富裕的上层阶级服务，因此，他仍然是为权贵的设计。其对象是资产阶级。
后现代主义重视形式、强调装饰。企图把 良好的功能、科学的结构、历史上的各种经典样式的装饰细节相结合，追求独特艺术韵味和设计个性，并面向不同的文化群体与层面，从中汲取营养、激发创作灵感。因此，后现代主义设计风格呈现多元化的趋势，常常显得生动、活泼，同时又呈现出烦琐、杂乱无章甚至拼凑和大杂烩的面貌。

“装饰艺术”运动是一场承上启下的运动，它既对“工艺美术”运动、“新艺术”运动的自然装饰、中世纪复古表示反对，也对单调的工业化风格加以批评。因此，虽然在强调装饰上与前两个运动有相似之处，但是从承认工业化的角度来看，已很难说是它们的延续了。然而，又由于强调装饰化，因此与同期开始在德国发动的现代主义也有很大的区别。它是“新艺术”运动和现代主义运动之间的一个衔接，双方的特征都兼而有之，但却不是简单的重复或再现。
（1）在思想和意识形态方面，“装饰艺术”运动的特征与之前和之后的设计运动既有联系，又有区别。
1、一方面，对于过往的设计运动中片面强调中世纪的、古典主义的、哥特式的传统美，强调自然风格的、有机形式的装饰因素，强调手工艺的美，否定机械化时代特征这些方面，“装饰艺术”运动是持否定态度的；“装饰艺术”运动主张简单几何形式的美、机械化的美，为工业化生产的产品而设计，因此具有更加积极的时代意义。
2、另一方面，“装饰艺术”运动虽然与现代主义运动几乎是同时开展的，然而，其生产冬季和所代表的意识形态却大相径庭。现代主义运动有明确的思想诉求，强调设计为大众服务，特写事为低收入的无产阶级服务，是“左”倾的、理想主义的，带有乌托邦式的空想社会主义服务。而“装饰艺术”运动，秉承了以法国为中心的欧美国家长期以来的传统立场：为富裕的上层阶级服务。因此尽管“装饰艺术”风格的设计成果中也不乏大众化的流行产品，比如批量化生产的钢管家具、汽车等，但其本质仍然是为权贵、为上层社会而设计，其对象是资产阶级，两者在思想意识上的分野，是泾渭分明的。
（2）“装饰艺术”运动与现代主义之间有并不是完全是矛盾的关系。
在形式特征三，它们之间也有责密切而复杂的关联。虽然，“装饰艺术”运动非常强调装饰效果，但装饰却正是现代主义者反对的主要设计内容之一，他们认为“装饰即是罪恶”。然而，无论是在材料的运用上，还是设计主题的选择上，设计作品的造型特点上，以及设计作品的加工方式上，这两种设计运动都有责千丝万缕的联系。特别是在美国，现代工业设计与“装饰艺术”运动，就很难截然划分开来。比如美国设计家雷蒙德·罗维1937年为纽约世界博览会设计的“工业设计师办公室”，就很难说是单纯的现代主义，还是“装饰艺术”风格：法国现代主义大师勒·柯布西耶再0世纪20年代中期设计的家具，也是两种风格兼有。这都表明：“装饰艺术”与“现代主义”之间并不完全是矛盾的关系，在形式特征上，他们有着密切而复杂的关联。

乌尔姆设计学院虽然只有15年的时间，但乌尔姆设计学院在设计教育上自成体系，充当了战后设计教育和设计思想的实验，并成为凝聚当时德国富有才华的年轻设计师的中心。15年中，乌尔姆设计学院成功地、全面地影响了整个国家的社会生活，不仅是影响了每个居民家中的家具和电器用品，而且影响了人们在学校、办公室、工厂、医院以及几乎所有的交通工具里的行为。学院师生的许多设计成果不仅在当时是非常前卫的，而且成了市场上的常青树。
设计构思要在一个系统中进行，而在具体的细节设计中则要将大而复杂的系统分解成一个个相互配合、相互衔接、有固定模数关系的单体，一边用最简单的加工方式、最低的成本进行生产和制作，用最便宜的材料、最方便拆卸的方式进行包装，同时还要充分考虑产品在不同空间、不同状况下的弹性使用和空间安排。这种“从全局大处着眼——系统化，在个体细节上着手——精确性”的乌尔姆模式，今天已经影响到全球成千上万的生产厂家，影响到几乎每个普通人的日常生活。学院的建筑系耶一直在探索模数化标准单体在公共建筑中的应用，为推动建筑的标准化、批量化做出有益的贡献。
这所规模不大，地处边远的设计学院虽然在半个世纪以前就关闭了，但他仍被视为自包豪斯以后，欧洲最重要的设计学院，对德国和世界其他国家的设计教育影响很大。
乌尔姆学院在工业产品、工具、交通工具的设计和沟通交流系统的设计方面尤其影响深远，该校的典型风格——珍珠灰的哑光表面处理、可调整的支撑架、尽量少的装饰，以及非常纯粹的几何形状等。
通过与该校关系密切的布劳恩公司和克虏伯公司，不但影响了战后整个联邦德国工业产品设计的风格，而且对当代电子产品的设计仍有深刻的印象。
在包豪斯的基础上，继续发扬了德国现代建筑、现代设计以社会目的为中心的传统，而没有向美国等一些国家那样，走形式教育为主的道路，因而延续了被第二次世界大战中断的社会工程式的建筑和设计教育体系的发展。
以“解决问题”为设计的核心，在此基础上整合了科学与艺术，创建了一套创造性的设计教学方法。完全摒弃了传统上以艺术为中心的建筑教育和设计教育体系，首次将建筑和设计教育完全放在理工和社会学科的基础上来进行，使得设计教育成为一个严格的理性系统，而不是过去那种以艺术表达为中心的模式。
确定了以建筑为所有设计教育之核心的教学模式。教育学生重视使用者的需求，理解和熟悉各种材料以及生产过程，掌握对多种可行性、多种选择的多元化思考方式，强调科学技术的燕歌行，培养学生的人机工学概念和设计美学修养，并与工业界建立密切的学术实践关系。
代表了欧洲（起码是西欧国家）设计界不愿追随美国讲求流行式样的浅薄方式，而重在讲究设计的目而重在讲究设计的目的和观念，讲究设计的社会影响和长远意义，同时培养学生的社会责任感等方面的追求。
从现实情况来看，乌尔姆的实验与当时社会的具体情形之间，有相当大的差距。乌尔姆学院所体现的是一种战后工业化时期知识分子式的新理解主义，与战前的包豪斯有着千丝万缕的联系。虽然有设想非常合理，但由于过度强调技术因素、工业化特征、科学的设计程序，而对人的基本心理需求考虑不足，甚至是完全忽略，因而造成设计风格冷漠、缺乏个性、单调刻板等问题。

柯布西耶，法国现代主义建筑运动的杰出代表，机器美学的奠基人，是现代主义运动中最有影响的三位大师之一。1920年，创办了《新精神》杂志。1923年，柯布西耶出版了《走向新建筑》，并在书中提出了“大力宣扬机械美，提出‘住宅是提供人居住的机器’”的著名论点。
柯布西耶新建筑的五要素：1、底层镂空；2、屋顶花园；3、自由空间；4、自由立面；5、水平长窗。
这些要素在其代表作中都有体现。如，1925年，柯布西耶为巴黎“装饰艺术展览”设计了一个展览厅——“精神神宫”，他把这个设计视为向世界发出的“新精神”“新建筑”宣言。展厅的外部采用立体主义画家列日所采用的强烈的纯色系列，建筑形式非常简洁，具有明显的工业化特点。
1929年——1930年，柯布西耶的现代建筑六个基本原则在萨沃伊住宅（萨沃公寓）中体现得淋漓尽致，就像是一个机械美学的宣言和纪念碑。住宅通体白色，楼梯盘旋而上，楼顶辟有休息和娱乐区，整栋建筑由一系列钢筋混凝土结构柱支撑，因此具有六个面。建筑本身无装饰，室内设计采用了自由的大空间，没有墙的完全隔断式风格，布局自由，宽大的玻璃窗令户外广阔的田园风光扑面而来。与1925年格罗皮乌斯设计的德绍包豪斯校舍建筑、密斯1929年设计的巴塞罗那世界博览会德国馆齐名，异同称为1920年代世界现代主义建筑重要的里程碑，展示了现代建筑发展的方式和前途。
1950年——1953年设计，在朗香教堂的设计中，柯布西耶把重点放在建筑造型上和建筑形体给人的感受上。它摒弃了传统教堂的模式和现代建筑的一般手法，把它当作一件混凝土雕塑作品加以塑造。教堂造型奇异，平面不规则；墙体几乎全是弯曲的，有的还倾斜；塔楼式的祈祷室的外形像座粮仓；沉重的屋顶向上翻卷着，他与墙体之间留有一条40厘米高的带形空隙；粗燥的白色墙面上开着大大小小的方形或矩形的窗洞，上面嵌着彩色玻璃；入口在卷曲墙面与塔楼的交接的夹缝处；室内主要空间也不规则，墙面呈弧线形，光线透过屋顶与墙面之间的缝隙和镶着彩色玻璃的大大小小的窗洞投射下来，使室内产生了一种特殊的气氛。
柯布西耶本人是非常矛盾的，他的观念和他的实践中存在大量的知识分子理性主义的成分，甚至是空想主义的、乌托邦式的，但他在现代主义设计运动刚刚萌芽时提出的这些重要见解们对于推动运动的整体发展，的确起到了非常重要的奠基作用。
他是机器美学的重要奠基人——他对于飞机、汽车的崇拜，促使他在建筑、城市规划三对机械进行效仿。他出版的大量著作、发表的大量论文，为机械美学奠定了基础。
他的设计虽然具有强烈的社会精神，但你从来不认为设计应该具有为某个特定阶级或者政权服务的明确目的性。他感到设计应该为社会的稳定服务，应该利用设计创造良好的社区、优质的建筑来改变社会面貌，来避免革命的爆发和动乱的发生。他的300万人成事规划设计，以及大量的私人家庭住宅设计，都流露出他这一强烈而鲜明的立场。
他不是一个构成主义者，他的设计中有些类似构成主义的形式，基本是从形式主义的角度发展而成的。他认为这种新的形式是现代主义的必然和唯一形式，是代表机械时代的形式特征。因此，他比俄国的构成主义者更加重视立体主义的形式和新的现代材料。

相同：两者都是对矫饰的维多利亚风格和其他过分装饰风格的反动，都是对工业化风格的反动，都受到威廉·莫里斯的思想理念和设计实践的影响。
“新艺术”运动继承了“工艺美术”运动对大自然的崇尚，强调从自然界汲取设计的灵感和动机，以大自然作为最基本的创作源泉。
英国的“工艺美术”运动本身，就是影响“新艺术”的源头之一。拉斯金、莫里斯等人关于将绘画、雕塑等纯艺术与装饰艺术融合起来，打造“整体艺术”的主张，对于“新艺术”运动的设计师们很有启发。
威廉·莫里斯是现代装饰运动最重要的奠基人之一，它对于自然界中花草树木的热爱，对于中世纪风格的热衷，对日本等东方艺术的借鉴，对矫揉造作风格的反对，对于手工技艺的崇尚，对于大工业化的强烈反对，都在“新艺术”运动中得到不同程度的反映。
不同：“工艺美术”运动推崇哥特式风格，强调手工艺的复兴；而“新艺术”运动则放弃任何一种传统装饰风格，完全走向自然主义，强调自然中不存在直线，强调自然中没有完全的平面，在装饰上突出表现曲线、有机形态。“新艺术”运动的设计师们接受莫里斯认为纯艺术和应用艺术之间不应该有高低之分，而应该不含偏见地平等对待等概念，同意它对于工业化批量制造的产品丑陋粗劣的批评，但并不认可他对于工业化机械生产的完全抗拒和彻底否定。
和“工艺美术”运动相似，“新艺术”运动在很大程度上也受到日本装饰风格，特别是日本江户时期的艺术与装饰风格，以及浮世绘的影响。尤其是葛饰北斋的作品，一起摒弃几何透视的二维视角构图，以及强烈的色彩，为“新艺术”运动注入新的活力。

沙利文提出的“形式追随功能”的口号。就产品设计的本质特征而论，形式服从功能是正确的、基本的。作为为人而用的工业产品其形式必然来自功能的结构，而不是功能来自于形式。在一般情况下，几乎所有工业产品包括手工产品其形式都是由功能所决定的。以“形式服从功能”的口号反对当时工艺生产和建筑中的虚饰之风，具有积极的重大意义。但从“形式服从功能”发展为“功能之上”的功能主义则显现出了片面性。
从理论看，功能与功能主义是两个完全不同的概念，强调功能与提倡功能主义也是两个完全不同的主张，强调功能，是强调功能在诸因素中的重要性，而不排斥其它因素；而功能主义不同，它具有排它性，既非功能的一概不要。因此，“形式服从功能”的理论是积极的，功能主义则是消极的、片面的。尤其是在现代没有人反对强调功能、主张虚饰的情况下，提倡所谓的功能主义更是一种消极倒退主张。
但设计家们把物的功能当作设计造物的唯一目的来追求时，显然是把结构与功能混为一谈，为产品结构为结构，把主体的人的需要变成了单一的使用需要，这里，并不是“形式服从功能”，而使取消形式的功能至上、功能主义。功能主义利用了“形式服从功能”的口号，而走向了极端，它与“形式服从功能”的思想主张可以说是背道而驰。
举例：纽约布法罗担保大厦，1895年落成，大厦的形式严谨，精美典雅，是美国早期高层建筑中的精品，也是沙利文的一个力作。尤其建筑物的立面设计体现了“形式追随功能”的建筑思想，创立了高层建筑立面三段处理的基本型制。建筑物底层平面为矩形，上部呈凹形，以争取更多的房间有良好的自然通风采光条件。建筑师根据不同的使用性质将大厦竖向的分为三个不同的部分。

这两个概念都与美国建筑大师弗兰克·劳埃德·赖特有关。
在赖特进行建筑实践的不同时期，风格几经变化。
第一阶段鼎盛于约1900年，草原式住宅表现了它的特征。狭长低矮的建筑，有着宽阔大出檐的缓坡屋顶和连排的窗孔，强调了与场地的水平联系。其代表作有“塔里埃森（Taliesin）”即他的住宅和学校，也就是草原风格。草原风格主要有四点：1、注意环境与建筑的关系，形成和谐的整体空间；2、注意室内空间的舒展、自由，被分割的小空间互相流动，可以自由开合；3、适当保留自然材料，以取得室内环境的协调；4、室内陈设偏于底层布局。天花板较低，并略有倾斜，室内有亲切感和安全感。
第二阶段试验使用某种新的建筑语言，以几何形为基础，诸如六角形、八角形、圆形和弧形。古根海姆博物馆的螺旋形是这一时期最著名的作品。
第三阶段始于有创新意义的住宅设计，如流水别墅。追求建筑的形式、构成以及与之有关的各种问题的解决，都要力求依照大自然所启示的道理行事。自然界是有机的，因而取名为“有机建筑”。关于“有机建筑”赖特提出了六原则：1、简练应该是艺术性的检验标准；2、建筑设计应该风格多种多样，好像人类一样；3、建筑应该与他的环境协调，他说：“一个建筑应该看起来是从那里成长出来的，并且与周围环境和谐一致。”4、建筑的色彩应该和它所在的环境一致，也就是说从环境中采取建筑色彩因素；5、建筑材料本质的表达；6、建筑中精神的统一和完整性。
赖特的设计理念继承和发扬了路易斯·沙利文的设计艺术理论思想，并有所创新，明确提出了“有机建筑”的理念。并且打破了把建筑单纯封闭为六面体的传统观念，主张空间可以内外贯穿，自由划分。它对现代主义的最大贡献是对于传统的重新解释（比如空调的采用）。他为以后的设计家们提供了一个探索的、非学院派和非传统的典范，他的设计方法也成为日后新探索的重要借鉴。

英国“工艺美术”运动开始于1864年左右，在1896年基本结束。“工艺美术”运动的重要特点：以追求自然纹样和哥特式风格为特征，旨在提高产品的质量，复兴手工艺品的设计传统。那时的产品出现了两种倾向：一是工业产品外型粗糙简陋，没有美的设计；二 是手工艺人仍然以手工生产为少数权贵使用的用品。于是社会上的产品明显地两极分化：上层人士使用精美的手工艺品，平民百姓使用粗劣的工业品。艺术家中不少人不但看不起工业产品，并且仇视机械生产这一手段。然而，社会的发展必然导致工业产品在消费中的统治地位，因为工业产品可以批量生产，价格低廉，能为广大消费者所接受。在一派维多利亚矫饰风气之中，设计先驱们能够采用中世纪的纯朴风格，吸收日本的和自然的装饰动机，创造出有声有色的新设计风格来，而同时又完全与各种历史复古的风格大相径庭，的确是难能可贵的探索。在轰轰烈烈的工业革命高潮之中，表现出一种与时代格格不入的出世感，也体现出知识分子的理想主义情感，强调手工艺的重要，强调中世纪行会的兄弟精神，都是非常特殊的。当时，摆在设计家面前有两个重要的问题：一是过分装饰、矫揉做作的维多利亚风格的蔓延；二是令不少知识分子感到震惊、甚至恐惧的工业化的来临。
　　“工艺美术”运动的缺点或者说先天不足是显而易见的，它对于工业化的反对，对于机械的否定，对于大批量生产的否定，都没有可能成为领导潮流的主流风格。过于强调装饰，增加了产品的费用，也就没有可能为低收入的平民百姓所享有，因此，它依然是象牙塔的产品，是知识分子的一厢情愿的理想主义结晶。对于矫饰风格的厌恶，对于大工业化的恐惧，是这个时期知识分子当中非常典型的心态。
　　“工艺美术”运动的具体表现在以下几方面：第一，强调手工艺，明确反对机械化的生产。第二，在装饰上反对矫揉做作的维多利亚风格和其他各种古典、传统的复兴风格。第三，提倡哥特式风格和其他中世纪的风格，讲究简单、朴实无华的、良好的功能。第四，主张设计的诚实、诚恳，反对设计上的哗众取宠，华而不实的倾向。第五，装饰上推崇自然主义，东方装饰和东方艺术的特点，大量的装饰都有东方式的，特别是日本式的平面装饰特征，采用大量的卷草、花卉、鸟类等为装饰动机，使设计上有一种特殊的品味。
　　“工艺美术”运动是世界进入现代工业社会后第一个有广泛影响的设计运动。对其历史功绩有一些辩证的评价，有人说工艺美术艺术家们走的是一条回到中世纪手工业时代的设计老路，不能在根本上解决工业化之后摆在设计和现代工业之间的矛盾。其设计尽管十分精美，但仍复杂繁琐，给印刷和装订造成了困难，人们还需要更合乎现代技术和人们思想情感的语言表达形式。
　　另一些人则认为，工艺美术艺术家们从审美角度反对工业化时代生活用品的机械生产及其造型样式，号召人们把生活用品的设计与其功能相结合，并身体力行。因此，实际上是在引导人们对产品（不论是手工还是机器产品）设计与其功能的关系予以特别重视，指出了正确的设计方向，极大地推动了工业产品设计这一新生事物的发展。

现代主义设计是人类设计史上最重要的、最具影响力的设计活动之一，它z兴起于20世纪20年代的欧洲，经过几十年的迅猛发展传播，其风潮几乎波及全球，在它的影响下，又产生出许许多多新的设计风格和流派。对于现代主义设计形成的原因，以往的阐述大多从意识形态领域出发，把现代主义设计放到广阔的现代主义运动背景去认识，认为它的产生是在现代主义运动影响下的一种历史必然。这种认识往往只顾及到现代主义设计产生的外部环境，甚少考虑到设计活动的自身特质和发展变化规律，难免有失片面，同时也影响到我们对其它相关设计活动的理解。
设计是技术与艺术的综合。在设计中，技术和艺术是矛盾的统一体，两者完美结合，造就优良的设计；反之，则让设计面目可憎。当设计中的技术与艺术达到动态的平衡时，设计表现为一种较为稳定的风格。技术在革新发展，艺术在不断变化，设计也就呈现出不同的面目。手工业时代的技术与艺术完美结合，造就了传统设计的辉煌。18世纪下半叶的工业革命带来了新技术、新材料和新的生产方式，却没有给设计带来适合的新艺术可供借鉴，于是导致了新问题的出现：与手工生产相比，机器的批量生产带来产品艺术质量的急剧下降和消费者艺术品位的降低。为了解决这一矛盾，许多有识之士进行了积极的探索，较有代表性的是“工艺美术”运动、“新艺术”运动和“装饰艺术”运动。“工艺美术”运动诞生于19世纪中期的英国，代表人物约翰·拉斯金和威廉·莫里斯主张恢复手工艺传统，反对工业化和大批量生产方式，尝试采用中世纪的淳朴风格，学习日本民间装饰手法，吸取自然主义的装饰动机，以期创造出一种新设计风格。“新艺术”运动打破了19世纪弥漫于整个欧洲的矫饰的维多利亚风格的束缚，努力向自然界学习并加以大胆创新，试图以自然主义的风格开创设计新鲜气息的先河。与“工艺美术”运动相似，“新艺术”运动同样企图在艺术、手工艺之间找到一个平衡点，复兴手工艺的优秀传统。“装饰艺术”运动几乎与现代主义设计运动同期诞生，具有手工艺和工业化的双重特点，在设计上采取折衷主义立场，设法把豪华、奢侈的手工艺制作和代表未来的工业化特征合二为一，产生一种具有发展潜力的新风格来。由于它考虑到了人们对产品形式的多样化需求和对精美手工制作的热爱，还部分照顾到了批量化生产的要求，所以在短期内风靡一时。然而，以当时尚显稚嫩的工业技术水平，要让大机器批量生产的产品兼具手工之美实非易事，能同时满足这两方面的条件的产品设计少之又少，因而，“装饰艺术”运动经过短暂的流行后，在20世纪30年代后期便逐渐势微。无论是英国的“工艺美术”运动，还是欧美的“新艺术”运动、“装饰艺术”运动，都显然不是解决问题的最有效办法，它们的中心是逃避乃至反对工业技术，反对工业化，反对现代工业文明。而且以上三个设计运动在艺术上借鉴的都是繁杂细密的传统装饰，但是，大工业生产初期的技术水平和批量化的生产方式显然无法完成产品的这种艺术追求。与手工技术相比，大工业生产技术无疑是一种进步，问题在于找到能与这种先进的大工业生产技术相匹配的艺术加以整合，创造出能代表大机器时代的优良的设计。人们希望在保持物质进步的同时，也能享受机械所带来的精神愉悦。如何掌握机械的艺术潜能，探询的目光投向了最具活力的现代艺术。在同期出现的现代艺术中，涌动着一股强劲的客观化趋势，这股潮流中涌现出的艺术家、艺术作品和艺术风格，为解决这一矛盾提供了绝佳的方案。大工业技术与现代艺术中的客观化趋势相结合，直接促成了一场现代设计史上最具影响力的现代主义设计运动。 现代艺术中的客观化趋势肇始于塞尚，发展于立体派和抽象主义。塞尚最基本的艺术观点就是把结构视为表现一切物体的根本。在塞尚看来，无论什么外界条件或艺术家的主观情绪都不可能改变对象的结构，艺术家的职责就在于把混乱的知觉纳入程序，在视觉范围内获得有结构的秩序。他尝试用结构的观点去认识和概括一切对象。他曾说过：“在自然里的一切，自己形成为类似圆球、立锥体、圆柱体。”①这一观点直接影响了其后的立体主义和抽象主义。立体主义是以毕加索、勃拉克为代表的现代艺术运动，它直接受益于塞尚对结构的探求。一方面他们将塞尚在造型上把自然物象都归纳为圆球、圆柱体、立锥体的几何方式推向极致，在画面中表现出更纯粹的几何形态；另一方面，他们彻底摒弃了空间透视规律，使画面趋于平面化。立体主义在艺术形式上的这种试验突出表现为对具体对象的解析、重构和综合处理，这种特征在发展中愈来愈趋于理性化，把对平面结构的分析组合规律化、体系化，强调理性规律在表现“真实”中的作用。康定斯基是抽象主义的代表人物，在他看来，艺术必须从模仿客观世界中解脱出来，画家应当用绘画自身的形式语言（包括色彩、线条、块面等），创造出一个与自然对象相和谐的新世界。他认为抽象的形式蕴涵着无穷的张力，“绘画的一个圆块，要比一个人体更有意义”，②“一个圆圈上的三角形锐角的冲力所产生的效果，并不比米开朗琪罗绘画中上帝的手指触及亚当手指力量小”。③他的绘画作品就是由一些抽象的点、线和块面组合而成，后期则完全是较为规则的几何图案。现代艺术中的这股客观化趋势，遵循理性主义，用几何形体和简约抽象的色彩概括客观对象，这些特性与大机器批量生产的标准化、机械化技术要求正好合拍，成为大机器生产的必然和最佳选择。在两者结合的基础上，诞生了现代主义设计。其中最具典型特征的是荷兰“风格派”和俄国构成主义。荷兰“风格派”提倡严格理性的审美观，设计多用黑、白、灰等中性色；平面和立体的造型都严格遵循几何式样，并且把几何形式与新兴的机器生产联系起来，追求那种来自于机械的严谨与精确。俄国构成主义的艺术家们叹服于工业文明的巨大成就，着迷于机械的严谨结构方式，努力寻求与工业化时代相适应的艺术语言和设计语言。从荷兰“风格派”和俄国构成主义设计中我们能看到，技术和艺术达到了最佳的结合，同时，也正因为这种最佳结合，现代主义设计成为二十世纪上半叶最稳定、最具影响力的设计风格，以至在后期发展为风靡全球的“国际主义”风格。从这个意义上讲，“国际主义”风格的形成固然有着复杂的因素，然而不能不说，这种设计风格也是大多数国家在工业化初期进程中的最佳选择。但是，设计中技术与艺术的平衡永远只能是一种动态的平衡，技术在不断发展，人的精神需要也是复杂多样化的，当技术的发展为这种多样化的需求提供了实现的条件后，设计也就从以现代主义为主而走向了多元化。 作为设计史上最重要的、最具影响力的设计活动，现代主义设计的形成内因和外因，它的确切定义、面貌特征、持续时间和波及范围等等，都极其复杂，而现代艺术本身、现代艺术与现代设计的互动关系中也有许许多多细致的问题亟待研究。本文仅从设计中技术与艺术的互为关系入手，考察现代艺术中的客观化趋势与现代主义设计的联系，对现代主义设计产生的内在动因做了简单梳理，希望能起到廓清认识的作用。

从设计史的角度看，如果没有工业革命就不会有今天所谓的工业设计和现代意义上的设计。正是工业革命完成了由传统手工艺到现代设计的转折，随之而来的工业化，标准化和规范化的批量产品的生产为设计带来了一系列变化。
首先，设计行业开始从传统手工制作中分离出来。 传统的劳动过程中，往往由人扮演基本工具的角色，能源、劳力和传送力基本上是由人来完成的，而工业革命则意味着技术带来的发展已经过渡到另一个新阶段，即以机器代替手工劳动工具，从而变成了劳动的性质和社会、经济的关系。此时的设计风格被简化为适应机器制造的东西。
其次，新的能源和材料的诞生及运用，为设计带来全新的发展，改变了传统设计的材料的构成和结构模式，最突出的变革出现在建筑行业，传统的砖、木、石结构逐渐被钢筋水泥玻璃构架所代替。
第三、设计的内部和外部环境发生了变化。当标准化、批量化成为生产目的时，设计的内部评价标准就不再是“为艺术而艺术”，而是为“工业而工业”的生产。对于设计的外部环境的变化，市场的概念应运而生，消费者的需求，经济利益的追逐，成本的降低，竞争力的提高，设计的受众、要求和目的的发生了变化。

设计既是指应用艺术范畴的活动，也是指工程技术范畴的活动。设计是从确定的目标出发，经过一定的规划、分析和决策，产生相应的数据、文字、图形等信息的过程。
技术和设计的关系：1、设计是技术发展的基础；2、技术发展为设计创新提供了条件。技术与设计相互依存相互促进的。
设计与文化的关系：1、文化影响设计，促进设计与文化的融合，提高设计的文化品位；2、设计反应文化，设计的文化内涵和人文价值，承载并延续文化，诠释并创造文化；3、设计作用于文化，将文化价值最大限度地转化为经济价值，设计提高或改变人们的生活方式，创造新文化。设计创造新的文化，文化作用于设计，又更新着文化。
新时代下，设计与文化越发明显地交融在一起，相辅相成，相聚相依。设计本身就是一种文化现象，设计与文化的关系相当错综复杂。